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Chronologie de Hans Holbein le Jeune

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Chronologie de Hans Holbein le Jeune - Histoire

Publié par Adam Busiakiewicz :

Le télégraphe ont publié un article de Franny Moyle qui pourrait bien avoir trouvé le premier portrait de Hans Holbein le Jeune (c.1497-1543) caché à la vue de tous. Son article décrit une visite qu'elle a faite à la Staatsgallerie d'Augsbourg, où elle a remarqué un garçon éminent figurant dans le mémorial de Holbein l'Ancien à la famille Walther (photo). Célèbre, la galerie présente une autre œuvre de Holbein l'Ancien montrant deux garçons aux cheveux blonds qui ont longtemps été identifiés comme Hans (le Jeune) et son frère Ambrosius (voir ci-dessous). De nombreux lecteurs connaîtront sans aucun doute le dessin du couple à Berlin. Le mémorial de la famille Walther a été créé lorsque Hans avait cinq ans.

La comparaison entre ces chiffres a encouragé Moyle à entrer en contact avec plusieurs érudits pour voir si quelqu'un d'autre l'avait repéré. Il semble que personne d'autre n'en avait. En effet, sa théorie a depuis été approuvée par le Dr Bodo Brinkman, conservateur des maîtres anciens au Kunstmuseum de Bâle, qui abrite une importante collection d'œuvres de Holbein.


Holbein en Angleterre

La Réforme a rendu difficile pour Holbein de subvenir à ses besoins en tant qu'artiste à Bâle, en Suisse, et il a voyagé à Londres en 1526. Erasmus lui a fourni une lettre d'introduction adressée à l'homme d'État et auteur anglais Sir Thomas More. Holbein a peint de nombreux portraits à la cour d'Henri VIII. Là-bas, il a conçu des robes d'État pour le roi. Il a également conçu de nombreux monuments et décorations extravagants pour le couronnement de la seconde épouse d'Henri, Anne Boleyn, à l'été 1533.

Plusieurs dessins existants qui seraient d'Anne Boleyn sont attribués à Holbein. L'un représente une femme aux traits plutôt dodus vêtue d'une chemise de nuit unie et d'une coiffe. Certains ont dit que cela montre la reine pendant la grossesse, entre 1533 et 1535, mais des recherches récentes montrent que le sujet est très probablement l'une des dames d'honneur d'Anne, peut-être Lady Margaret Lee ou sa sœur, Anne Wyatt. Il semble plus probable que le portrait fini peint par Holbein d'Anne Boleyn ait été détruit après sa décapitation le 19 mai 1536 sous de fausses accusations de trahison, d'adultère et d'inceste.

Holbein a peint la troisième épouse d'Henry, Jane Seymour. Il a également peint la sœur de Jane, Elizabeth Seymour, qui a épousé le fils de Thomas Cromwell. Ce portrait a été identifié à tort comme la cinquième épouse d'Henry, la reine Catherine Howard, lorsqu'il a été découvert à l'époque victorienne. Après la mort de Seymour, Holbein a peint Christina de Danemark au cours des négociations pour son éventuel mariage avec Henry VIII. La ressemblance a rencontré l'approbation d'Henry, mais Christina a décliné l'offre de mariage, citant le désir de conserver sa tête.

Holbein a également peint Anne de Clèves pour Henri VIII. Henry a critiqué le portrait comme ayant été trop flatteur, il semble probable qu'Henry ait été plus impressionné par les éloges extravagants d'Anne que par le portrait d'Holbein. Il y a un débat sur la question de savoir si un portrait miniature d'une jeune femme vêtue d'une robe en or et de bijoux est en fait la peinture de Holbein de la cinquième épouse d'Henry, Catherine Howard.


Le corps du Christ mort au tombeau (1521)

Dans ce panneau, Holbein a créé une image grandeur nature du Christ, couché dans sa tombe. La teinte verdâtre de la peau, en particulier autour des blessures sur la main, les pieds et le torse, ainsi que sur son visage suggèrent la putréfaction de la chair et se traduit par une image presque grotesque. Plutôt que de créer un sentiment de calme ou de paix, la bouche et les yeux sont grands ouverts, de sorte que la douleur endurée sur la croix semble se poursuivre dans la tombe. Ces éléments mettent l'accent sur l'humanité du Christ plutôt que sur son statut divin et cela est aggravé par le corps anormalement étiré et émacié confiné dans un espace inconfortablement étroit, l'imprégnant d'une claustrophobie mal à l'aise.

Le renfoncement dans lequel le Christ est déposé est peint avec un incroyable sens de la profondeur, ce qui ajoute au réalisme de la pièce. Ceci est encore renforcé par les mèches lâches des cheveux du Christ qui sont tombées sur le bord de la surface sur laquelle il repose et son doigt qui atteint également le bord et dans le plan du spectateur, renforçant la dimensionnalité de l'espace. Il s'agit d'un des premiers exemples de l'utilisation par Holbein de trompe l'oeil, une technique qu'il appliquera plus tard à grand effet dans plusieurs de ses portraits.

Il est possible que le panneau ait été conçu comme faisant partie d'un tombeau sacré, à la place d'une sculpture ou peut-être comme couvercle sur un sépulcre. Au-dessus du corps, des anges tiennent des instruments de la Passion et une inscription latine dit "Jésus de Nazareth, roi des Juifs". L'historien de l'art Oskar Bsatschhmann note que « Holbein a transformé l'image du Christ au repos en la vision épouvantable d'un cadavre, celle d'un homme condamné à mort. Seul le caractère spécifique des blessures trahit l'identité du Christ. Bien qu'une fascination pour le macabre soit un trait commun des premiers artistes protestants, leurs esprits imprégnés des horreurs apocalyptiques de la Réforme, ce n'est pas la seule façon de voir l'interprétation sanglante de Holbein. On peut également voir que la chair en décomposition souligne le pur miracle de la résurrection, se produisant même après la décomposition du corps humain.

La Madone de Darmstadt (1526-28)

Cette peinture de Schutzmantelbid, ou 'Vierge de pitié', est également connue sous le nom de Madone de Jakob Meyer zum Hasen, montre Jakob Meyer, un fonctionnaire bâlois, ayant invoqué la protection divine pour lui-même et sa famille. Il est représenté à gauche, les yeux levés vers le ciel. En face de lui se trouvent ses deux épouses, sa première épouse, Magdalena Baer, ​​décédée en 1511 est positionnée derrière de profil, et devant, sa seconde épouse, Dorothea Kannengiesse, de trois quarts. Devant eux s'agenouille leur seul enfant survivant, Anna, mais à gauche, devant Meyer, se trouvent ses deux fils décédés. Au-dessus d'eux tous se dresse la Madone, berçant l'enfant Christ. Le tapis bouclé sur lequel ils se tiennent démontre l'habileté de Holbein à créer une texture et une lumière réalistes, mais sert également de symbole de richesse et d'attirer le spectateur dans l'espace pictural, de sorte qu'il soit lui aussi accueilli dans le groupe, partageant la divinité accordé par la Vierge et l'enfant Jésus. C'est l'une des œuvres religieuses les plus célèbres de Holbein et l'historienne de l'art Helen Langdon attribue son succès à « sa représentation des identités humaines individuelles combinées à un contrôle spatial et à un illusionnisme spectaculaires ».

Comme pour la représentation du Christ dans son tombeau, Holbein inclut des éléments humains, dans les portraits individuels du donateur et de la famille, mais plus particulièrement dans la Vierge à l'enfant. La torsion du corps du nourrisson sert à souligner le poids physique porté dans les bras de sa mère. Pour la Madone elle-même, son visage n'est pas une interprétation stéréotypée dans la tradition des peintres italiens de la Renaissance tels que Raphaël, mais a plutôt été peint d'après nature et est basé sur le modèle, Magdalena Offenburg. De cette manière, la peinture conserve la douceur de la tradition italienne (en particulier dans l'interprétation des deux garçons) mais fait également appel au réalisme de la Renaissance du Nord, comme le note Langdon, « Holbein a atteint une combinaison de piété et de grandeur, et interaction entre l'humain et le divin, pour rivaliser avec celle de Van Eyck lui-même." Le portrait de groupe qui en résulte est bien plus qu'une simple image de dévotion et, en tant que dernière œuvre religieuse majeure de Holbein, a marqué son avenir dans le portrait.

Portrait de Georg Giese (1532)

Ce portrait du riche marchand Georg Giese montre le commerçant de trois quarts, debout derrière un comptoir recouvert de tapis, avec divers objets exposés sur sa surface. Le nom de la gardienne est sur le mur à gauche, avec sa devise "pas de plaisir sans regret". Il y a aussi des lettres sur les deux murs qui l'identifient et marquent des liens familiaux avec d'autres familles de marchands, signalant un réseau de connexions importantes. Dans ces trompe l'oeil détails, Holbein est allé jusqu'à recréer l'écriture de la main de Giese sur une partie de la correspondance. Parmi les nombreux objets symboliques figurent des œillets pour signifier des fiançailles ou des fiançailles, une horloge faisant allusion au temps qui passe, ainsi qu'une collection d'outils pour renforcer le métier de gardien et un certain nombre de détails indiquant la richesse. Le regard de Giese est fixé vers le spectateur et cela lui permet de dominer l'espace de sorte que, même entouré d'une collection animée d'objets, l'œil est toujours attiré par lui. L'habileté artistique de Holbein est particulièrement évidente dans le vase en verre délicat et les manches de la veste de Giese, montrant un intérêt maniériste pour la texture de la surface. Ce réalisme a influencé plus tard les défenseurs du naturalisme du portrait du XIXe siècle et cela se voit dans les œuvres d'artistes tels que Bastien-Lepage, en particulier dans son Portrait du prince de Galles (1879-80).

Ce portrait marque la première œuvre majeure d'Holbein au début de son deuxième séjour à Londres, avant sa nomination royale. Il illustre son évolution dans le portrait et l'influence d'autres artistes de la Renaissance sur lui, notamment Titien. La pose et le regard de côté rappellent celui de l'artiste italien Homme avec une manche matelassée (1510). Simultanément, le vase délicatement peint avec la lumière se reflétant était une caractéristique typique des premières peintures néerlandaises et cela indique une fusion d'influences dans le travail de l'artiste, qui a façonné son style de portrait. Le succès continu de ce portrait est illustré par son utilisation sur le billet de 100 000 marks allemands en 1923.


Contenu

Début de carrière Modifier

Holbein est né dans la ville impériale libre d'Augsbourg pendant l'hiver 1497-1498. [11] Il était le fils du peintre et dessinateur Hans Holbein l'Ancien, dont il a suivi le commerce avec son frère aîné, Ambrosius. Holbein l'Ancien dirigeait un grand atelier très fréquenté à Augsbourg, parfois assisté de son frère Sigmund, également peintre. [12]

En 1515, Hans et Ambrosius s'étaient installés comme compagnons peintres dans la ville de Bâle, un centre d'apprentissage et d'imprimerie. [13] Là ils ont été apprentis à Hans Herbster, le principal peintre de Bâle. [14] Les frères ont trouvé du travail à Bâle en tant que concepteurs de gravures sur bois et de gravures sur métal pour les imprimeurs. [15] En 1515, le prédicateur et théologien Oswald Myconius les invite à ajouter des dessins à la plume en marge d'un exemplaire de L'éloge de la folie par le savant humaniste Desiderius Erasmus de Rotterdam. [16] Les croquis fournissent des preuves précoces de l'esprit d'Holbein et de son penchant humaniste. Ses autres premières œuvres, dont le double portrait du maire de Bâle Jakob Meyer zum Hasen et de son épouse Dorothea, suivent le style de son père. [17]

Le jeune Holbein, aux côtés de son frère et de son père, est représenté dans le panneau de gauche du triptyque de retable de 1504 de Holbein l'Ancien le Basilique Saint-Paul, qui est exposé à la Staatsgalerie d'Augsbourg. [18]

En 1517, le père et le fils ont commencé un projet à Lucerne (Lucerne), en peignant des peintures murales intérieures et extérieures pour le marchand Jakob von Hertenstein. [19] À Lucerne, Holbein a également conçu des dessins animés pour le vitrail. [20] Les archives de la ville montrent que le 10 décembre 1517, il a été condamné à une amende de cinq livres pour s'être battu dans la rue avec un orfèvre appelé Caspar, qui a été condamné à une amende du même montant. [21] Cet hiver, Holbein a probablement visité l'Italie du Nord, bien qu'aucun enregistrement du voyage ne survit. De nombreux érudits pensent qu'il a étudié le travail de maîtres italiens de la fresque, comme Andrea Mantegna, avant de retourner à Lucerne. [22] Il remplit deux séries de panneaux chez Hertenstein avec des copies d'œuvres de Mantegna, dont Les Triomphes de César. [23]

En 1519, Holbein retourne à Bâle. Son frère disparaît du dossier à peu près à ce moment-là, et il est généralement présumé qu'il est mort. [24] Holbein s'est rétabli rapidement dans la ville, dirigeant un atelier occupé. Il rejoint la corporation des peintres et prend la nationalité bâloise. Il épousa Elsbeth Binsenstock-Schmid, une veuve de quelques années son aînée, qui avait un fils en bas âge, Franz, et dirigeait l'entreprise de bronzage de son défunt mari. Elle a donné à Holbein un fils à lui, Philipp, au cours de leur première année de mariage. [25]

Holbein a été prolifique pendant cette période à Bâle, qui a coïncidé avec l'arrivée du luthéranisme dans la ville. [26] Il a entrepris un certain nombre de projets majeurs, tels que des murales extérieures pour La maison de la danse et murales intérieures pour la salle du conseil de l'hôtel de ville. Les premiers sont connus par des dessins préparatoires. [27] Les peintures murales de la Chambre du Conseil survivent dans quelques fragments mal conservés. [28] Holbein a également produit une série de peintures religieuses et a conçu des dessins animés pour des vitraux. [29]

Dans une période de révolution dans la conception de livres, il a illustré pour l'éditeur Johann Froben. Ses dessins de gravure sur bois comprenaient ceux pour le Danse de la mort, [30] le Icônes (illustrations de l'Ancien Testament), [31] et la page de titre de la bible de Martin Luther. [32] À travers le médium de la gravure sur bois, Holbein a affiné sa compréhension des effets expressifs et spatiaux. [33]

Holbein a également peint le portrait occasionnel à Bâle, parmi eux le double portrait de Jakob et Dorothea Meyer, et, en 1519, celui du jeune universitaire Boniface Amerbach. Selon l'historien de l'art Paul Ganz, le portrait d'Amerbach marque une avancée dans son style, notamment dans l'utilisation de couleurs ininterrompues. [34] Pour Meyer, il a peint un retable de la Vierge qui comprenait des portraits du donateur, de sa femme et de sa fille. [35] En 1523, Holbein a peint ses premiers portraits du grand érudit de la Renaissance Erasmus, qui avait besoin de ressemblances à envoyer à ses amis et admirateurs dans toute l'Europe. [36] Ces peintures ont fait de Holbein un artiste international. Holbein a visité la France en 1524, probablement pour chercher du travail à la cour de François I. [37] Quand Holbein a décidé de chercher un emploi en Angleterre en 1526, Erasmus l'a recommandé à son ami l'homme d'État et érudit Thomas More. [38] "Les arts gèlent dans cette partie du monde", écrit-il, "et il est en route pour l'Angleterre pour ramasser des anges". [39]

Angleterre, 1526-1528 Modifier

Holbein a interrompu son voyage à Anvers, où il a acheté des panneaux de chêne et a peut-être rencontré le peintre Quentin Matsys. [40] Sir Thomas More l'a accueilli en Angleterre et lui a trouvé une série de commandes. « Votre peintre, mon cher Erasme, écrivait-il, est un artiste merveilleux ». [41] Holbein a peint le célèbre Portrait de Sir Thomas More et un autre de More avec sa famille. Le portrait de groupe, de conception originale, n'est connu que par une esquisse préparatoire et des copies d'autres mains. [42] Selon l'historien de l'art Andreas Beyer, il "offrait un prélude à un genre qui ne serait vraiment accepté que dans la peinture hollandaise du XVIIe siècle". [43] Sept belles études apparentées de More membres de la famille survivent également. [44]

Lors de ce premier séjour en Angleterre, Holbein travailla en grande partie pour un cercle humaniste lié à Erasmus. Parmi ses commandes figurait le portrait de William Warham, archevêque de Cantorbéry, qui possédait un portrait Holbein d'Erasme. [45] Holbein a peint aussi l'astronome et mathématicien bavarois Nicholas Kratzer, un tuteur de la famille More dont les notes apparaissent sur le croquis de Holbein pour leur portrait de groupe. [46] Bien que Holbein n'ait pas travaillé pour le roi lors de cette visite, il a peint les portraits de courtisans tels que Sir Henry Guildford et sa femme Lady Mary, [47] et d'Anne Lovell, identifiée en 2003 ou 2004 [48] comme le sujet de Dame avec un écureuil et un étourneau. [49] En mai 1527, "Maître Hans" peint également un panorama du siège de Thérouanne pour la visite des ambassadeurs de France. Avec Kratzer, il imagine un plafond couvert de signes planétaires, sous lequel les visiteurs dînent. [50] Le chroniqueur Edward Hall a décrit le spectacle comme montrant "la Terre entière, entourée de la mer, comme une carte ou un chariot". [51]

Bâle, 1528-1532 Modifier

Le 29 août 1528, Holbein achète une maison à Bâle, à St Johanns-Vorstadt. Il est vraisemblablement rentré chez lui pour conserver sa citoyenneté, puisqu'il n'avait obtenu qu'un congé autorisé de deux ans. [52] Enrichi de son succès en Angleterre, Holbein achète une deuxième maison dans la ville en 1531.

Durant cette période à Bâle, il peint La famille de l'artiste, montrant Elsbeth, avec les deux enfants aînés du couple, Philipp et Katherina, évoquant des images de la Vierge à l'Enfant avec saint Jean-Baptiste. [53] L'historien d'art John Rowlands voit ce travail comme « l'un des portraits les plus émouvants de l'art, d'un artiste aussi, qui a toujours caractérisé ses modèles avec une retenue prudente ». [54]

Bâle était devenue une ville agitée en l'absence d'Holbein. Les réformateurs, influencés par les idées de Zwingli, ont commis des actes d'iconoclasme et interdit l'imagerie dans les églises. En avril 1529, le libre-penseur Érasme se sentit obligé de quitter son ancien havre pour Fribourg-en-Brisgau. [55] Les iconoclastes ont probablement détruit certaines des œuvres d'art religieuses de Holbein, mais les détails sont inconnus. [56] Les preuves des opinions religieuses de Holbein sont fragmentaires et peu concluantes. "Le côté religieux de ses peintures a toujours été ambigu", suggère l'historien de l'art John North, "et il le resta". [57] Selon un registre dressé pour s'assurer que tous les citoyens majeurs adhèrent aux nouvelles doctrines : « Maître Hans Holbein, le peintre, dit qu'il faut être mieux renseigné sur la [sainte] table avant de s'en approcher ». [58] En 1530, les autorités ont appelé Holbein pour rendre compte de ne pas assister à la communion réformée. [59] Peu de temps après, cependant, il a été répertorié parmi ceux "qui n'ont pas d'objections sérieuses et souhaitent aller avec d'autres chrétiens". [60]

Holbein a évidemment conservé la faveur sous le nouvel ordre. Le conseil réformiste lui versa une retenue de 50 florins et lui chargea de reprendre les travaux sur les fresques de la salle du conseil. Ils ont maintenant choisi des thèmes de l'Ancien Testament au lieu des histoires précédentes de l'histoire classique et de l'allégorie. Les fresques de Holbein de Roboam et de la rencontre entre Saul et Samuel étaient plus simplement conçues que leurs prédécesseurs. [61] Holbein travaillait en parallèle pour des clients traditionnels. Son ancien mécène Jakob Meyer l'a payé pour ajouter des figures et des détails au retable familial qu'il avait peint en 1526. La dernière commande de Holbein à cette période était la décoration de deux cadrans d'horloge sur la porte de la ville en 1531. [54] Les niveaux réduits de mécénat à Bâle peut avoir incité sa décision de retourner en Angleterre au début de 1532. [62]

Angleterre, 1532-1540 Modifier

Holbein retourna en Angleterre, où l'environnement politique et religieux changeait radicalement.[63] En 1532, Henri VIII se préparait à répudier Catherine d'Aragon et à épouser Anne Boleyn, au mépris du pape. [64] Parmi ceux qui se sont opposés aux actions d'Henry figurait l'ancien hôte et patron de Holbein, Sir Thomas More, qui a démissionné de son poste de Lord Chancelier en mai 1532. Holbein semble s'être éloigné du milieu humaniste de More lors de cette visite, et « il a trompé ceux à qui il a été recommandé", selon Erasmus. [65] L'artiste a plutôt trouvé grâce au sein des nouveaux cercles de pouvoir radicaux de la famille Boleyn et de Thomas Cromwell. Cromwell devint secrétaire du roi en 1534, contrôlant tous les aspects du gouvernement, y compris la propagande artistique. [66] More a été exécuté en 1535 avec John Fisher, dont le portrait Holbein avait également dessiné. [67]

Les commandes de Holbein au début de sa deuxième période anglaise comprenaient des portraits de marchands luthériens de la Ligue hanséatique. Les marchands vivaient et exerçaient leur métier au Steelyard, un complexe d'entrepôts, de bureaux et d'habitations sur la rive nord de la Tamise. Holbein a loué une maison à Maiden Lane à proximité, et il a dépeint ses clients dans une gamme de styles. Son portrait de Georg Giese de Gdańsk montre le marchand entouré de symboles magnifiquement peints de son métier. Son portrait de Derich Berck de Cologne, en revanche, est classiquement simple et peut-être influencé par Titien. [68] Pour la guilde du Steelyard, Holbein a peint les allégories monumentales Le triomphe de la richesse et Le triomphe de la pauvreté, tous deux maintenant perdus. Les marchands ont également commandé un tableau de rue du mont Parnasse pour la procession de la veille du couronnement d'Anne Boleyn le 31 mai 1533. [69]

Holbein a également dépeint divers courtisans, propriétaires fonciers et visiteurs à cette époque, et sa peinture la plus célèbre de l'époque était Les ambassadeurs. Ce panneau grandeur nature représente Jean de Dinteville, ambassadeur de François Ier de France en 1533, et Georges de Selve, évêque de Lavaur en visite à Londres la même année. [70] Le travail incorpore des symboles et des paradoxes, y compris un crâne anamorphique (déformé). Selon les érudits, ce sont des références énigmatiques à l'apprentissage, à la religion, à la mortalité et à l'illusion dans la tradition de la Renaissance du Nord. [71] Les historiens de l'art Oskar Bätschmann et Pascal Griener suggèrent que, dans Les ambassadeurs, "Les sciences et les arts, objets de luxe et de gloire, se mesurent à la grandeur de la Mort". [72]

Aucun portrait certain d'Anne Boleyn par Holbein ne survit, peut-être parce que sa mémoire a été purgée après son exécution pour trahison, inceste et adultère en 1536. [73] Il est clair, cependant, que Holbein a travaillé directement pour Anne et son entourage. [74] Il a conçu une coupe gravée avec son emblème d'un faucon debout sur des roses, ainsi que des bijoux et des livres qui lui sont liés. Il a également croqué plusieurs femmes attachées à son entourage, dont sa belle-soeur Jane Parker. [75] En même temps, Holbein a travaillé pour Thomas Cromwell pendant qu'il organisait la réforme d'Henri VIII. Cromwell a chargé Holbein de produire des images réformistes et royalistes, y compris des gravures sur bois anticléricales et la page de titre de la traduction anglaise de la Bible par Myles Coverdale. Henri VIII s'était lancé dans un grandiose programme de mécénat artistique. Ses efforts pour glorifier son nouveau statut de chef suprême de l'Église ont abouti à la construction du palais de Nonsuch, commencé en 1538. [76]

En 1536, Holbein était employé comme peintre du roi avec un salaire annuel de 30 livres, bien qu'il n'ait jamais été l'artiste le mieux payé de la liste royale. [77] Lucas Horenbout, le « faiseur d'images » royal, gagnait plus, et d'autres artistes continentaux travaillaient aussi pour le roi. [78] En 1537, Holbein peint son image la plus célèbre : Henri VIII debout dans une pose héroïque, les pieds écartés. [79] La section de gauche a survécu du dessin d'Holbein pour une peinture murale grandeur nature au palais de Whitehall montrant le roi dans cette pose avec son père derrière lui. La peinture murale représentait également Jane Seymour et Elizabeth d'York, mais elle a été détruite par un incendie en 1698. Elle est connue grâce à des gravures et à une copie de 1667 de Remigius van Leemput. [80] Un portrait en pied antérieur montre Henry dans une pose similaire, [81] mais tous les portraits en pied de lui sont des copies basées sur le modèle de Whitehall. [82] La figure de Jane Seymour dans la peinture murale est liée au croquis et à la peinture d'Holbein. [83]

Jane est décédée en octobre 1537, peu de temps après avoir donné naissance au fils unique d'Henry, Édouard VI, et Holbein a peint un portrait du jeune prince environ deux ans plus tard, tenant un hochet en or en forme de sceptre. [84] Le portrait final d'Henri d'Holbein date de 1543 et a peut-être été complété par d'autres, représentant le roi avec un groupe de chirurgiens barbiers. [85]

Le style de portrait de Holbein a changé après son entrée au service d'Henry. Il s'est concentré plus intensément sur le visage et les vêtements du modèle, en omettant en grande partie les accessoires et les décors en trois dimensions. [86] Il a appliqué cette technique propre et artisanale à des portraits miniatures tels que celui de Jane Small et à de grands portraits tels que celui de Christina du Danemark. Il a voyagé avec Philip Hoby à Bruxelles en 1538 et a esquissé Christina pour le roi, qui évaluait la jeune veuve en tant que future épouse. [87] John Hutton, l'ambassadeur anglais à Bruxelles, a rapporté qu'un autre dessin d'artiste de Christina était « sloberid » (bave) comparé à Holbein. [88]

De l'avis de Wilson, le portrait à l'huile ultérieur de Holbein est « la plus belle peinture d'une femme qu'il ait jamais exécutée, c'est-à-dire que c'est l'un des plus beaux portraits féminins jamais peints ». [89] La même année, Holbein et Hoby se rendent en France pour peindre Louise de Guise et Anne de Lorraine pour Henri VIII. Aucun portrait de ces cousins ​​n'a survécu. [90] Holbein trouva le temps de visiter Bâle, où il fut fêté par les autorités et lui accorda une pension. [91] Sur le chemin du retour en Angleterre, il a mis son fils Philipp en apprentissage chez l'orfèvre bâlois Jacob David à Paris. [92]

Holbein a peint Anne de Clèves au château de Burgau, la posant au carré et dans des parures élaborées. C'était la femme qu'Henry épousa à Düren sur les encouragements de Thomas Cromwell en été 1539. [93] L'envoyé anglais Nicholas Wotton rapporta que « Hans Holbein a pris les effigies de ma Lady Anne et de la lady Amelia [la sœur d'Anne] et a exprimé leurs images très vivantes". [94] Henry a été désillusionné avec Anne dans la chair, cependant et il a divorcé d'elle après un mariage bref et non consommé. Il existe une tradition selon laquelle le portrait d'Holbein flattait Anne, d'après le témoignage de Sir Anthony Browne.

Henry a dit qu'il était consterné par son apparition à Rochester, après avoir vu ses photos et entendu des publicités sur sa beauté, à tel point que son visage est tombé. [95] Personne d'autre qu'Henry n'a jamais décrit Anne comme répugnant. L'ambassadeur français Charles de Marillac la trouvait assez attirante, agréable et digne, bien que vêtue de vêtements allemands lourds et peu flatteurs, tout comme ses serviteurs. [96] [97] Une partie du blâme pour la désillusion du roi est tombée sur Thomas Cromwell, qui avait joué un rôle dans l'organisation du mariage et avait transmis quelques réclamations exagérées de la beauté d'Anne. [98] C'était l'un des facteurs qui ont conduit à la chute de Cromwell. [99]

Les dernières années et la mort, 1540-1543 Modifier

Holbein avait habilement survécu à la chute de ses deux premiers grands mécènes, Thomas More et Anne Boleyn, mais l'arrestation et l'exécution soudaines de Cromwell sur des accusations inventées de toutes pièces d'hérésie et de trahison en 1540 ont sans aucun doute nui à sa carrière. [100] Bien que Holbein ait conservé sa position de Peintre du Roi, la mort de Cromwell a laissé un vide qu'aucun autre mécène ne pouvait combler. C'est, ironiquement, le portrait d'Anne de Clèves par Holbein qui a en grande partie conduit à la chute de Cromwell : furieux d'être aux prises avec une femme qu'il trouvait totalement peu attirante, le roi a dirigé toute sa colère contre Cromwell. Certes, Cromwell avait exagéré sa beauté, [101] mais il n'y a aucune preuve que Henry ait blâmé Holbein pour avoir soi-disant flatté les regards d'Anne.

En dehors des tâches officielles de routine, Holbein s'occupait maintenant de commandes privées, se tournant à nouveau vers des portraits de marchands de Steelyard. Il a également peint certaines de ses plus belles miniatures, notamment celles d'Henry Brandon et de Charles Brandon, fils de l'ami d'Henry VIII Charles Brandon, 1er duc de Suffolk et de sa quatrième épouse, Catherine Willoughby. Holbein réussit à obtenir des commissions parmi les courtisans qui briguent désormais le pouvoir, en particulier auprès d'Anthony Denny, l'un des deux principaux gentilshommes de la chambre à coucher. Il est devenu assez proche de Denny pour lui emprunter de l'argent. [103] Il a peint le portrait de Denny en 1541 et deux ans plus tard a conçu une horloge-sel pour lui. Denny faisait partie d'un cercle qui a gagné en influence en 1542 après l'échec du mariage d'Henry avec Catherine Howard. Le mariage du roi en juillet 1543 avec la réformiste Catherine Parr, dont le frère Holbein avait peint en 1541, établit le parti de Denny au pouvoir.

Holbein a peut-être rendu visite à sa femme et à ses enfants à la fin de 1540, lorsque son congé de Bâle a expiré. Aucun de ses travaux ne date de cette période et les autorités bâloises lui ont versé six mois de salaire d'avance. [104] L'état du mariage d'Holbein a intrigué les érudits, qui fondent leurs spéculations sur des preuves fragmentaires. Hormis une brève visite, Holbein vivait séparé d'Elsbeth depuis 1532. Son testament révèle qu'il avait deux enfants en bas âge en Angleterre, dont on ne sait rien, sauf qu'ils étaient sous la garde d'une infirmière. [105]

L'infidélité d'Holbein envers Elsbeth n'était peut-être pas nouvelle. Certains chercheurs pensent que Magdalena Offenburg, le modèle de la La Madone de Darmstadt et pour deux portraits peints à Bâle, fut pendant un temps la maîtresse de Holbein. [106] D'autres rejettent l'idée. [107] L'un des portraits était celui de Lais de Corinthe, maîtresse d'Apelle, le célèbre artiste de l'antiquité grecque en l'honneur duquel Holbein a été nommé dans les cercles humanistes. [108] Quoi qu'il en soit, il est probable que Holbein a toujours soutenu sa femme et ses enfants. [109] Quand Elsbeth mourut en 1549, elle était aisée et possédait encore beaucoup de beaux vêtements d'Holbein d'autre part, elle avait vendu son portrait d'elle avant sa mort. [110]

Hans Holbein est mort entre le 7 octobre et le 29 novembre 1543 à l'âge de 45 ans. [111] Karel van Mander a déclaré au début du XVIIe siècle qu'il était mort de la peste. Wilson considère l'histoire avec prudence, car les amis d'Holbein étaient à son chevet et Peter Claussen suggère qu'il est mort d'une infection. [112] Se décrivant comme "le serviteur de la majesté du roi", Holbein avait fait son testament le 7 octobre dans sa maison d'Aldgate. L'orfèvre Jean d'Anvers et quelques voisins allemands signèrent comme témoins. [113]

Holbein était peut-être pressé, car le testament n'était pas attesté par un avocat. Le 29 novembre, Jean d'Anvers, sujet de plusieurs portraits d'Holbein, entreprend légalement l'administration des dernières volontés de l'artiste. Il a vraisemblablement réglé les dettes d'Holbein, pris des dispositions pour la garde de ses deux enfants, et vendu et dispersé ses effets, y compris de nombreux dessins et dessins préliminaires qui ont survécu. [114] Le site de la tombe de Holbein est inconnu et n'a peut-être jamais été marqué. Les églises de St Katherine Cree ou St Andrew Undershaft à Londres sont des emplacements possibles, étant situées à proximité de sa maison. [115]

Influences Modifier

La première influence sur Holbein était son père, Hans Holbein l'Ancien, un artiste religieux accompli et portraitiste [116] qui a transmis ses techniques d'artiste religieux et ses dons de portraitiste à son fils. [117] Le jeune Holbein a appris son métier dans l'atelier de son père à Augsbourg, une ville avec un commerce de livres florissant, où la gravure sur bois et la gravure ont prospéré. Augsbourg a également agi comme l'un des principaux « ports d'entrée » en Allemagne pour les idées de la Renaissance italienne. [118] Au moment où Holbein a commencé son apprentissage auprès de Hans Herbster à Bâle, il était déjà imprégné du style gothique tardif, avec son réalisme implacable et son accent mis sur la ligne, qui l'ont influencé tout au long de sa vie. [119] À Bâle, il a été favorisé par les mécènes humanistes, dont les idées ont aidé à former sa vision d'artiste mature. [120]

Au cours de ses années suisses, lorsqu'il a peut-être visité l'Italie, Holbein a ajouté un élément italien à son vocabulaire stylistique. Les érudits notent l'influence de la technique du « sfumato » (fumée) de Léonard de Vinci sur son œuvre, par exemple dans son Vénus et Amour et Laïs de Corinthe. [121] Des Italiens, Holbein a appris l'art de la perspective à point unique et l'utilisation de motifs antiques et de formes architecturales. En cela, il a peut-être été influencé par Andrea Mantegna. [122] Le détail décoratif recule dans ses portraits tardifs, bien que la précision calculée demeure. Malgré l'assimilation des techniques italiennes et de la théologie de la Réforme, l'art de Holbein a étendu à bien des égards la tradition gothique. [123]

Son style de portrait, par exemple, est resté distinct de la technique plus sensuelle du Titien et du maniérisme de William Scrots, successeur de Holbein en tant que peintre du roi. [124] Le portrait d'Holbein, en particulier ses dessins, avait plus en commun avec celui de Jean Clouet, qu'il a peut-être vu lors de sa visite en France en 1524. ainsi que son souci des portraits préliminaires pour eux-mêmes. [126] Lors de son second séjour en Angleterre, Holbein apprend la technique du limning, telle que pratiquée par Lucas Horenbout. Dans ses dernières années, il a élevé l'art du portrait miniature à son premier sommet d'éclat. [127]

Uvres religieuses Modifier

Holbein a suivi les traces d'artistes d'Augsbourg comme son père et Hans Burgkmair, qui vivaient en grande partie de commandes religieuses. Malgré les appels à la réforme, l'église de la fin du XVe siècle était de tradition médiévale. Il a maintenu une allégeance à Rome et une foi dans les piétés telles que les pèlerinages, la vénération des reliques et la prière pour les âmes mortes. Les premiers travaux de Holbein reflètent cette culture. Le mouvement de réforme croissant, dirigé par des humanistes tels qu'Erasme et Thomas More, a cependant commencé à changer les attitudes religieuses. Bâle, où furent publiées les œuvres majeures de Martin Luther, devint le principal centre de transmission des idées de la Réforme. [128]

Le passage progressif de la religion traditionnelle à la religion réformée peut être illustré dans l'œuvre de Holbein. Le sien Corps du Christ mort dans la tombe de 1522 exprime une vision humaniste du Christ en phase avec le climat réformiste bâlois de l'époque. [129] Le Danse de la mort (1523-1526) refaçonne l'allégorie de la fin du Moyen Âge danse macabre comme une satire réformiste. [130] La série de gravures sur bois d'Holbein montre la figure de la « Mort » sous de nombreux déguisements, confrontant des individus de tous les horizons. Aucun n'échappe aux griffes du squelette de la Mort, même les pieux. [131]

En plus de Danse de la mort Holbein terminé Icônes ou Série du vieil évangile (Il contient deux ouvrages : Les images des récits de l'Ancien Evangile et Portraits ou planches d'impression de l'histoire de l'Ancien Evangile). Ces œuvres ont été arrangées par Holbein avec Melchior & Gaspar Trechsel vers 1526, puis imprimées et éditées en latin par Jean & Francois Frellon avec 92 gravures sur bois. Ces deux œuvres partagent également les quatre premières figures avec le Danse de la mort.

Il semble que les frères Trechsel avaient initialement l'intention d'embaucher Holbein pour illustrer des Bibles. [132] En fait, certains des Icônes des gravures sur bois apparaissent dans la découverte récente Biblia cum Glossis [133] de Michel De Villeneuve (Michael Servet). Les gravures sur bois de Holbein apparaissent dans plusieurs autres œuvres de Servet : sa traduction espagnole de Les images des récits de l'Ancien Evangile, [134] imprimé par Juan Stelsio à Anvers en 1540 (92 bois gravés), et aussi de sa versification espagnole de l'œuvre associée Portraits ou planches d'impression de l'histoire de l'Ancien Evangile, imprimé par François et Jean Frellon en 1542 (les mêmes 92 gravures sur bois plus 2 autres), comme cela a été démontré dans la Société internationale pour l'histoire de la médecine, par le chercheur expert à Servet, González Echeverría, qui a également prouvé l'existence de l'autre oeuvre de Holbein & De Villeneuve, Biblia cum Glossis ou "Bible Perdue". [135] [136]

Holbein a peint de nombreuses grandes œuvres religieuses entre 1520 et 1526, dont le Retable Oberried, les Madone de Soleure, et le La passion. Ce n'est que lorsque les réformateurs de Bâle se sont tournés vers l'iconoclasme à la fin des années 1520 que sa liberté et ses revenus en tant qu'artiste religieux ont souffert. [137]

Holbein a continué à produire de l'art religieux, mais à une échelle beaucoup plus petite. Il a conçu des gravures sur bois religieuses satiriques en Angleterre. Son petit tableau pour la dévotion privée, Noli Me Tangere, [138] a été considéré comme une expression de sa religion personnelle. Représentant le moment où le Christ ressuscité dit à Marie-Madeleine de ne pas le toucher, Holbein adhère aux détails de l'histoire de la Bible. [139] Le chroniqueur du 17ème siècle John Evelyn a écrit qu'il "n'a jamais vu autant de révérence et une sorte d'étonnement céleste exprimés dans une image". [140]

Holbein a été décrit comme « le représentant suprême de l'art de la Réforme allemande ». [57] La ​​Réforme était un mouvement varié, cependant, et sa position était souvent ambiguë. Malgré ses liens avec Érasme et Plus, il adhère à la révolution initiée par Martin Luther, qui appelle au retour à la Bible et au renversement de la papauté. Dans ses gravures sur bois Le Christ comme lumière du monde et La vente des indulgences, Holbein a illustré les attaques de Luther contre Rome. [141] Parallèlement, il continue à travailler pour les Erasmiens et les traditionalistes connus. Après son retour d'Angleterre dans un Bâle réformé en 1528, il reprit le travail à la fois sur la Madone de Jakob Mayer et sur les peintures murales de la salle du conseil de l'hôtel de ville. La Madone était une icône de la piété traditionnelle, tandis que les peintures murales de l'Ancien Testament illustraient un programme réformiste.

Holbein retourna en Angleterre en 1532 alors que Thomas Cromwell était sur le point d'y transformer les institutions religieuses. Il fut bientôt au travail pour la machine de propagande de Cromwell, créant des images à l'appui de la suprématie royale. [142] Pendant la période de la dissolution des monastères, il a produit une série de petites gravures sur bois dans lesquelles les méchants bibliques étaient habillés en moines. [143] Sa peinture réformiste L'ancienne et la nouvelle loi identifié l'Ancien Testament avec l'"Ancienne Religion". [144] Les érudits ont détecté des références religieuses plus subtiles dans ses portraits. Dans Les ambassadeurs, par exemple, des détails tels que le livre de cantiques luthérien et le crucifix derrière le rideau font allusion au contexte de la mission française. [145] Holbein a peint peu d'images religieuses dans la dernière partie de sa carrière.[146] Il s'est concentré sur les conceptions profanes d'objets décoratifs et sur les portraits dépouillés de l'essentiel.

Portraits Modifier

Pour Holbein, « tout a commencé par un dessin ». [147] Dessinateur doué, il est l'héritier d'une tradition allemande de dessin au trait et de dessin préparatoire précis. Les portraits à la craie et à l'encre de Holbein démontrent sa maîtrise du contour. Il a toujours fait des portraits préparatoires de ses modèles, bien que de nombreux dessins survivent pour lesquels aucune version peinte n'est connue, ce qui suggère que certains ont été dessinés pour eux-mêmes. [148] Holbein a réalisé relativement peu de portraits pendant ses années à Bâle. Parmi celles-ci se trouvaient ses études de 1516 de Jakob et Dorothea Meyer, esquissées, comme beaucoup de portraits de son père, à la pointe d'argent et à la craie. [149]

Holbein a peint la plupart de ses portraits au cours de ses deux périodes en Angleterre. Dans le premier, entre 1526 et 1528, il utilise la technique de Jean Clouet pour ses études préliminaires, combinant craies noires et de couleurs sur papier non apprêté. Dans le second, de 1532 à sa mort, il dessine sur de plus petites feuilles de papier rose, ajoutant à la craie un stylo et un pinceau à l'encre. [150] À en juger par la séance de trois heures que lui a donnée Christina du Danemark, Holbein a pu produire rapidement de telles études de portraits. [147] Certains chercheurs pensent qu'il a utilisé un appareil mécanique pour l'aider à tracer les contours des visages de ses sujets. [151] Holbein a accordé moins d'attention aux tons du visage dans ses dessins ultérieurs, faisant des traits moins nombreux et plus emphatiques, mais ils ne sont jamais stéréotypés. [152] Sa compréhension des relations spatiales garantit que chaque portrait, même avec parcimonie, traduit la présence du modèle. [153]

Les portraits peints de Holbein étaient étroitement fondés sur le dessin. Holbein a transféré chaque étude de portrait dessiné sur le panneau à l'aide d'instruments géométriques. [154] Il a ensuite construit la surface peinte à la détrempe et à l'huile, en enregistrant le moindre détail, jusqu'à chaque point ou fermeture de costume. De l'avis de l'historien de l'art Paul Ganz, « La glaçure profonde et le lustre émaillé de la coloration ont été obtenus au moyen d'un fond de crayon métallique hautement poli, qui admettait peu de corrections et, comme l'esquisse préliminaire, restait visible à travers la fine couche de couleur". [154]

Le résultat est un style de portrait brillant dans lequel les modèles apparaissent, selon les mots de Foister, comme des personnes « individuelles reconnaissables et même d'apparence contemporaine », vêtues de vêtements minutieusement rendus qui constituent une source inégalée pour l'histoire du costume Tudor. [155] Les clients humanistes de Holbein accordaient une grande valeur à l'individualité. [156] Selon Strong, ses sujets de portrait ont subi « une nouvelle expérience, qui était une expression visuelle profonde des idéaux humanistes ». [157]

Les commentateurs diffèrent dans leur réponse à la précision et à l'objectivité de Holbein en tant que portraitiste. Ce que certains voient comme l'expression de la profondeur spirituelle de ses assistants, d'autres l'ont qualifié de triste, distant ou même vacant. « Peut-être qu'une froideur sous-jacente imprègne leurs visages », a écrit Alfred Woltmann, biographe d'Holbein au XIXe siècle, « mais derrière cette tranquillité extérieure se cache une largeur et une profondeur de vie intérieure ». [158] Certains critiques voient le style iconique et épuré des portraits ultérieurs de Holbein comme une régression. Kenyon Cox, par exemple, estime que ses méthodes sont devenues plus primitives, réduisant la peinture « presque à l'état d'enluminure médiévale ». [159] Erna Auerbach relie la "planéité formelle décorative" de l'art tardif de Holbein au style des documents enluminés, citant le portrait de groupe d'Henri VIII et de la Barber Surgeons' Company. [160] D'autres analystes ne détectent aucune perte de pouvoirs dans la dernière phase de Holbein. [161]

Jusqu'à la fin des années 1530, Holbein plaçait souvent ses modèles dans un décor en trois dimensions. Parfois, il a inclus des références et des inscriptions classiques et bibliques, ainsi que des draperies, de l'architecture et des accessoires symboliques. De tels portraits ont permis à Holbein de démontrer sa virtuosité et ses pouvoirs d'allusion et de métaphore, ainsi que de faire allusion au monde privé de ses sujets. Son portrait de 1532 de Sir Brian Tuke, par exemple, fait allusion à la mauvaise santé du modèle, comparant ses souffrances à celles de Job. La représentation des cinq plaies du Christ et l'inscription "INRI" sur le crucifix de Tuke sont, selon les érudits Bätschmann et Griener, "destinées à protéger son propriétaire contre les problèmes de santé". [162] Holbein dépeint le marchand Georg Gisze parmi les symboles élaborés de la science et de la richesse qui évoquent l'iconographie personnelle du modèle. Cependant, certains des autres portraits de marchands de Steelyard de Holbein, par exemple celui de Derich Born, se concentrent sur le naturel du visage. Ils préfigurent le style plus simple que Holbein a favorisé dans la dernière partie de sa carrière. [163]

L'étude des portraits ultérieurs de Holbein a été compliquée par le nombre de copies et d'œuvres dérivées qui lui sont attribuées. Les érudits cherchent désormais à distinguer les vrais Holbeins par le raffinement et la qualité du travail. [164] La caractéristique de l'art de Holbein est une approche de recherche et perfectionniste discernable dans ses modifications à ses portraits. Pour reprendre les mots de l'historien de l'art John Rowlands :

Cette recherche de la perfection est très évidente dans ses dessins de portraits, où il cherche avec son pinceau la bonne ligne pour le profil du modèle. La faculté critique de faire ce choix et sa perception de sa puissance à communiquer de manière décisive le caractère du modèle est une véritable mesure de la grandeur suprême de Holbein en tant que portraitiste. Personne n'a jamais dépassé le profil et la position révélateurs de ses portraits : à travers leur utilisation révélatrice, Holbein transmet encore à travers les siècles le caractère et la ressemblance de ses modèles avec une maîtrise inégalée. [165]

Miniatures Modifier

Au cours de sa dernière décennie, Holbein a peint un certain nombre de petits portraits miniatures portés comme une sorte de bijou. Sa technique de miniature dérivée de l'art médiéval de l'enluminure des manuscrits. Son petit portrait sur panneau d'Henri VIII montre une interpénétration entre son panneau et la peinture miniature. [166] Les grandes images d'Holbein avaient toujours contenu une précision semblable à celle d'une miniature. Il a maintenant adapté cette compétence à la forme plus petite, conservant en quelque sorte un effet monumental. [167] La ​​douzaine de certaines miniatures d'Holbein qui subsistent révèlent sa maîtrise du « limning », comme s'appelait la technique. [168]

Son portrait miniature de Jane Small, avec son fond bleu riche, ses contours nets et son absence d'ombrage, est considéré comme un chef-d'œuvre du genre. Selon l'historien de l'art Graham Reynolds, Holbein « dépeint une jeune femme dont la simplicité est à peine soulagée par son simple costume de matériaux en noir et blanc, et pourtant il ne fait aucun doute que c'est l'un des grands portraits du monde. Avec objectivité remarquable Holbein n'a rien ajouté de lui-même ou soustrait à l'image de sa modèle, il l'a vue alors qu'elle apparaissait d'humeur solennelle dans la lumière froide de sa salle de peinture". [169]

Conceptions Modifier

Tout au long de sa vie, Holbein a conçu à la fois des œuvres décoratives à grande échelle telles que des peintures murales et des objets plus petits, notamment des assiettes et des bijoux. Dans de nombreux cas, ses dessins, ou des copies d'entre eux, sont la seule preuve de ces œuvres. Par exemple, ses peintures murales pour la Maison Hertenstein à Lucerne et pour la Maison de la Danse à Bâle ne sont connues que par ses créations. Au fur et à mesure de sa carrière, il a ajouté des motifs de la Renaissance italienne à son vocabulaire gothique.

De nombreux dessins complexes gravés dans les armures de Greenwich, y compris les harnais de tournoi personnels du roi Henry, étaient basés sur des dessins de Holbein. Son style a continué à influencer la forme unique de l'armure anglaise pendant près d'un demi-siècle après sa mort.

La caricature de Holbein pour une partie de la peinture murale dynastique Tudor à Whitehall révèle comment il s'est préparé pour une grande fresque. Il était composé de 25 morceaux de papier, chaque figure découpée et collée sur le fond. [170] De nombreux dessins d'Holbein pour la peinture sur verre, la ferronnerie, les bijoux et les armes survivent également. Tous démontrent la précision et la fluidité de son dessin. Selon l'historienne de l'art Susan Foister, « ces qualités animent tellement ses motifs décoratifs, qu'il s'agisse de motifs individuels, tels que ses sirènes et femmes serpentines préférées, ou les formes plus grandes de tasses, de cadres et de fontaines, qu'elles scintillent sur le papier avant même leur transformation en métal précieux et en pierre". [153]

La manière de Holbein de concevoir des objets consistait à esquisser des idées préliminaires, puis à dessiner des versions successives avec une précision croissante. Son projet final était une version de présentation. Il utilisait souvent des motifs traditionnels pour les détails ornementaux tels que le feuillage et les branches. Lors de la conception d'objets précieux, Holbein a travaillé en étroite collaboration avec des artisans tels que des orfèvres. Son travail de conception, suggère l'historien de l'art John North, « lui a donné une sensation inégalée pour les textures de matériaux de toutes sortes, et cela lui a également donné l'habitude de relier les accessoires physiques au visage et à la personnalité dans ses portraits ». [171] Bien que l'on sache peu de choses sur l'atelier d'Holbein, les érudits supposent que ses dessins étaient en partie destinés à servir de sources pour ses assistants.

La renommée d'Holbein doit quelque chose à celle de ses modèles. Plusieurs de ses portraits sont devenus des icônes culturelles. [172] Il a créé l'image standard d'Henri VIII. [173] En peignant Henry comme un héros iconique, cependant, il a aussi subtilement transmis la tyrannie de son caractère. [174] Les portraits de Holbein d'autres personnages historiques, tels qu'Erasme, Thomas More et Thomas Cromwell, ont fixé leurs images pour la postérité. Il en est de même de la panoplie de seigneurs et de dames anglais dont l'apparence n'est souvent connue que par son art. Pour cette raison, John North appelle Holbein "le caméraman de l'histoire des Tudor". [175] En Allemagne, au contraire, Holbein est considéré comme un artiste de la Réforme, et en Europe de l'humanisme. [176]

À Bâle, l'héritage d'Holbein a été assuré par son ami Amerbach et par le fils d'Amerbach, Basilius, qui a rassemblé son travail. L'Amerbach-Kabinett a formé plus tard le noyau de la collection Holbein au Kunstmuseum Basel. [177] Bien que l'art de Holbein ait également été apprécié en Angleterre, peu de documents anglais du XVIe siècle le mentionnent. L'archevêque Matthew Parker (1504-1575) a observé que ses portraits étaient « dilinéaires et exprimés à la ressemblance de la vie ». [178] À la fin du XVIe siècle, le portraitiste miniature Nicholas Hilliard parle dans son traité Art de Limning de sa dette envers Holbein : « Je n'ai jamais imité la manière d'Holbein et je la tiens pour le mieux ». [179] Aucun récit de la vie d'Holbein n'a été écrit jusqu'au "Schilder-Boeck" (Livre-peintre) souvent inexact de Karel van Mander de 1604. [180]

Les disciples de Holbein ont produit des copies et des versions de son travail, mais il ne semble pas avoir fondé d'école. [181] Le biographe Derek Wilson l'appelle l'un des grands « uniques » de l'histoire de l'art. [9] Le seul artiste qui semble avoir adopté ses techniques était John Bettes l'Ancien, dont L'homme à la casquette noire (1545) est de style proche de Holbein. [182] Les savants diffèrent sur l'influence de Holbein sur l'art anglais. De l'avis de Foister : « Holbein n'avait pas de véritables successeurs et peu d'imitateurs en Angleterre. car il est difficile de tracer une succession stylistique appropriée au travail de Holbein pour combler le milieu du siècle". [153]

Néanmoins, on peut dire que la peinture « moderne » en Angleterre a commencé avec Holbein. [183] ​​Que les artistes ultérieurs aient été conscients de son travail est évident dans le leur, parfois explicitement. Hans Eworth, par exemple, a peint deux copies intégrales dans les années 1560 d'Henry VIII de Holbein dérivées du modèle de Whitehall et a inclus un Holbein en arrière-plan de son Mary Neville, Lady Dacre. [184] L'influence de la « monumentalité et de l'attention à la texture » de Holbein a été détectée dans le travail d'Eworths. [185] Selon l'historienne de l'art Erna Auerbach : « L'influence de Holbein sur le style du portrait anglais était sans aucun doute immense. Grâce à son génie, un type de portrait a été créé qui a à la fois servi les exigences du modèle et élevé le portrait en Angleterre à un niveau européen C'est devenu le prototype du portrait de la Cour d'Angleterre de la Renaissance". [186]

La mode des maîtres anciens en Angleterre après les années 1620 a créé une demande pour Holbein, dirigée par le connaisseur Thomas Howard, comte d'Arundel. Les artistes flamands Anthony van Dyck et Peter Paul Rubens ont découvert Holbein à travers Arundel. [187] Arundel a commandé des gravures de ses Holbeins au tchèque Wenceslaus Hollar, certaines des œuvres maintenant perdues. A partir de cette époque, l'art d'Holbein est également prisé aux Pays-Bas, où le marchand de tableaux Michel Le Blon est devenu un connaisseur d'Holbein. [188] Le premier catalogue raisonné du travail de Holbein a été produit par le français Charles Patin et le suisse Sebastian Faesch en 1656. Ils l'ont publié avec Erasmus's Encomium moriæ (L'éloge de la folie) et une biographie inexacte qui dépeint Holbein comme un débauché.

Au XVIIIe siècle, Holbein trouva grâce en Europe auprès de ceux qui voyaient dans son art précis un antidote au baroque. En Angleterre, le connaisseur et antiquaire Horace Walpole (1717-1797) l'a loué comme un maître du gothique. [189] Walpole a accroché sa maison néo-gothique à Strawberry Hill avec des copies d'Holbeins et a conservé une chambre Holbein. À partir de 1780 environ, une réévaluation d'Holbein s'installe et il est inscrit parmi les maîtres canoniques. [190] Un nouveau culte du chef-d'œuvre de l'art sacré est né, soutenu par les romantiques allemands. Ce point de vue a subi un revers lors de la célèbre controverse connue sous le nom de "Holbein-Streit" (conflit Holbein) dans les années 1870. Il apparut que le vénéré Meyer Madone à Dresde était une copie, et que la version peu connue à Darmstadt était l'original de Holbein. [191] Depuis lors, les savants ont progressivement supprimé l'attribution à Holbein de nombreuses copies et œuvres dérivées. La vision savante actuelle de l'art de Holbein souligne sa polyvalence, non seulement en tant que peintre, mais en tant que dessinateur, graveur et designer. [192] L'historienne de l'art Erika Michael estime que « l'étendue de son héritage artistique a été un facteur important dans la réception soutenue de son œuvre ». [193]

L'humiliation de l'empereur Valérien par le roi perse Shapur, c. 1521. Plume et encre noire sur croquis à la craie, lavis gris et aquarelle, Kunstmuseum Basel

Portrait de Bonifacius Amerbach, 1519. Huile et tempera sur pin, Kunstmuseum Basel.

Le corps du Christ mort au tombeau, et un détail, 1521-1522. Huile et tempera sur bois de tilleul, Kunstmuseum Basel.

Noli moi Tangere, peut-être 1524-1526. Huile et tempera sur chêne, Collection Royale.

Portrait de Jane Seymour, c. 1537. Huile et tempera sur chêne, Kunsthistorisches Museum, Vienne.

Henri VIII et Henri VII, partie de caricature pour peinture murale à Whitehall, 1537. Stylo en noir, avec lavis gris, marron, noir et rouge sur papier marouflé sur toile, National Portrait Gallery, Londres.

Portrait de Christine de Danemark, c. 1538. Huile et tempera sur chêne, National Gallery, Londres.

Portrait d'Anne de Clèves, c. 1539. Huile et tempera sur parchemin marouflé sur toile, Louvre, Paris.

Henri VIII à 49 ans (1540), Gallerie Nazionali d'arte antica, Palazzo Barberini, Rome

Marguerite Roper v. 1535-1536, Bodycolour sur vélin monté sur carton, 4,5 cm de diamètre (1,8 po), Metropolitan Museum of Art, New York

Apollon et les Muses sur le Parnasse 1533, Plume et encre noire, lavis gris-brun et bleu-vert aquarelle sur papier, 42,3x38,4 cm. Staatliche Museen zu Berlin (kupferstichkabinett).


Le tapis et le globe : Holbein’s Les ambassadeurs recadré

L'un des portraits les plus célèbres de la Renaissance est sans conteste Hans Holbein le Jeune Les ambassadeurs à partir de 1533. Même aujourd'hui, c'est un portrait préféré à parodier, imiter ou citer dans l'art, la télévision, le cinéma et les médias sociaux, et il reste une source importante pour les artistes contemporains.

Hans Holbein le Jeune, Les ambassadeurs, 1533, huile sur chêne, 207 x 209,5 cm (The National Gallery, Londres, photo : Steven Zucker, CC BY-NC-SA 4.0)

Ce double portrait représente deux hommes debout à côté d'une table haute couverte d'objets. À gauche, Jean de Dinteville, 29 ans, ambassadeur de France envoyé par le roi de France François Ier à la cour d'Angleterre d'Henri VIII. A droite, Georges de Selve, 25 ans, évêque de Lavaur, France. Ils se tiennent sur un trottoir abstrait élaboré, qui a été identifié comme appartenant au sanctuaire de l'abbaye de Westminster, le même espace où Anne Boylen, seconde épouse d'Henri VIII, avait été couronnée et plus récemment, le duc et la duchesse de Cambridge se sont mariés.

Pavage Cosmati, abbaye de Westminster (à gauche), mariage du duc et de la duchesse de Cambridge à l'abbaye de Westminster (à droite)

La peinture est remplie de détails soigneusement rendus, dans un style clair que nous en sommes venus à identifier avec le naturalisme de la Renaissance du XVIe siècle. Le crâne anamorphique au premier plan continue de ravir et de surprendre les téléspectateurs, et d'inspirer les artistes.

Crâne anamorphique (détail), Hans Holbein le Jeune, Les ambassadeurs, 1533, huile sur chêne, 207 x 209,5 cm (The National Gallery, Londres, photo : Steven Zucker, CC BY-NC-SA 4.0)

Crâne anamorphique vu de biais, Hans Holbein le Jeune, Les ambassadeurs, 1533, huile sur chêne, 207 x 209,5 cm (The National Gallery, Londres, photo : Steven Zucker, CC BY-NC-SA 4.0)

Cet essai se concentre sur deux détails - le tapis et le globe - qui parlent du commerce mondialisé du XVIe siècle, et plus précisément des ambitions impériales européennes et de la colonisation.

Le tapis d'Anatolie

Drapé au-dessus du niveau supérieur de la table entre les deux hommes se trouve un tapis, généralement appelé « Tapis Holbein » en raison du penchant de l'artiste pour la peinture de ce type de textile. Ce nom, cependant, n'aurait pas été utilisé au XVIe siècle. Au lieu de cela, le tapis aurait rappelé aux observateurs le lieu d'où il a été produit - dans ce cas la Turquie - qui était contrôlé, au XVIe siècle, par les Ottomans. Les tapis d'Anatolie étaient des objets de luxe populaires en Europe à partir du XVe siècle. Les textiles de Turquie, ainsi que d'autres parties de la Méditerranée orientale étaient très recherchés en raison de leur savoir-faire et de leur beauté extraordinaires.

Tapis (détail), Hans Holbein le Jeune, Les ambassadeurs, 1533, huile sur chêne, 207 x 209,5 cm (The National Gallery, Londres, photo : Steven Zucker, CC BY-NC-SA 4.0)

Souvent, les soi-disant « tapis Holbein » présentent des médaillons octogonaux, d'autres motifs stylisés, et parfois des bordures en coufique, un type d'écriture calligraphique arabe (dont celle de Les ambassadeurs ne fait pas). Ce type de tapis est devenu si populaire en Europe que d'autres fabricants de textiles ont commencé à essayer de le copier, souvent avec des motifs pseudo-kufic destinés à imiter le script.

Les tapis comme celui de la peinture de Holbein étaient chers. Ils figuraient en bonne place dans les foyers européens d'élite et coûtaient souvent autant que les peintures et les sculptures. Contrairement à aujourd'hui, un tapis d'une telle dépense ne serait pas placé sur le sol. Il serait drapé sur une table, comme le montre Les ambassadeurs, à afficher comme un bel objet à observer et à apprécier. On peut trouver des tapis similaires dans d'autres peintures de la Renaissance, souvent drapés sur des parapets ou des tables. Parfois, de tels tapis sont montrés sur le sol sous la Vierge Marie pour exprimer son statut élevé en tant que figure sainte.

“Tapis Holbein,” XVe-16e siècles, laine, de Turquie (The Metropolitan Museum of Art)

Alors pourquoi un tapis dans la peinture de Holbein ? Le tapis est un objet de luxe destiné à élever le statut des deux hommes. Cela nous rappelle également la puissance et le prestige de l'Empire ottoman à l'époque. Les Ottomans étaient considérés comme une menace pour les puissances européennes, même si les Européens souhaitaient le luxe ottoman, comme les tapis.

Il y a aussi probablement une autre raison à l'apparition du tapis dans la peinture. François Ier, le roi de France, s'était récemment aligné sur le roi Henri VIII d'Angleterre pour tenter de réduire le pouvoir de Charles V, l'empereur romain germanique qui contrôlait une grande partie de l'Europe continentale. Charles V était un souverain puissant, et François Ier et Henri VIII craignaient qu'il ne tente de leur arracher le contrôle. François Ier a également essayé de cultiver des relations avec les États pontificaux et les Ottomans, et il a contacté Soliman le Magnifique, le souverain ottoman. Le tapis dans la peinture de Holbein peut faire référence aux tentatives du souverain français de renforcer les liens politiques avec les Ottomans. François Ier convoitait sans aucun doute une telle relation car elle renforcerait ses liens commerciaux, renforcerait sa capacité à acquérir des produits de base ottomans et lui donnerait un meilleur accès aux marchandises de Chine et d'Inde qui étaient également hautement souhaitables.

Le tapis a de multiples significations : politiquement, il évoque les tentatives de François de forger un lien politique avec le souverain ottoman, et culturellement, en tant que textile cher et importé de la péninsule anatolienne. Le tapis rappelle que les Ottomans étaient une partie importante de la culture européenne de la Renaissance.

Globe (détail), crâne anamorphique vu de biais, Hans Holbein le Jeune, Les ambassadeurs, 1533, huile sur chêne, 207 x 209,5 cm (The National Gallery, Londres, photo : Steven Zucker, CC BY-NC-SA 4.0)

Le globe

Sur l'étagère sous le tapis, il y a un certain nombre d'objets intrigants, dont un luth avec une corde cassée, un livre de cantiques et un globe. On pense que la corde cassée du luth fait référence à la discorde qui a résulté de la Réforme protestante, que le livre de cantiques rappelle également. Martin Luther, qui a initié la Réforme, a composé les hymnes présentés.

Livre de cantiques de Luther (détail), Hans Holbein le Jeune, Les ambassadeurs, 1533, huile sur chêne, 207 x 209,5 cm (The National Gallery, Londres, photo : Steven Zucker, CC BY-NC-SA 4.0)

Le globe, cependant, ne fait pas référence au bouleversement qui résulta de la Réforme, mais il évoque d'autres types de transformations alors en cours. La carte sur le globe est affichée à l'envers à partir de l'orientation commune d'un globe. Malgré cela, de nombreuses régions d'Europe ont des inscriptions écrites lisiblement. Holbein a placé l'Europe au plus près du plan de l'image et l'a peinte dans une couleur dorée pour attirer notre regard. Nous voyons l'Afrique au-dessus et au-delà de certaines parties des Amériques.

Fait intéressant, l'une des inscriptions lisibles sur le globe est "Brisillici R". pour le Brésil. La clarté visuelle et la référence au Brésil sont importantes. La couronne française a revendiqué le Brésil après avoir parrainé une expédition vers les Amériques en 1522. À la tête de l'expédition se trouvait Giovanni da Verrazano, qui est revenu en 1524, aidant la France à revendiquer des terres outre-Atlantique. Verrazano retournera au Brésil en 1527 pour collecter le bois de Brésil, une ressource précieuse. La couronne française a tenté d'établir des comptoirs commerciaux au Brésil afin de revendiquer le contrôle de cette riche terre étrangère, une action qui oppose la France à son rival colonial, le Portugal.

Globe (détail), Hans Holbein le Jeune, Les ambassadeurs, 1533, huile sur chêne, 207 x 209,5 cm (The National Gallery, Londres, photo : Steven Zucker, CC BY-NC-SA 4.0)

Plusieurs lignes rouges parcourent également certaines parties du globe dans le portrait de Holbein. L'une, qui traverse le Brésil et divise l'Atlantique, était la ligne convenue avec le traité de Tordesillas en 1494. Ce traité a abouti à l'octroi d'une grande partie des Amériques à l'Espagne, tandis que le Brésil a été accordé aux Portugais. Une autre ligne, issue du traité de Saragosse en 1529 (encore une fois entre l'Espagne et le Portugal), divise la carte dans l'autre sens, donnant aux Portugais les Moluques, ou îles aux épices. L'inclusion de ces lignes révèle l'importance de la compétition entre les puissances coloniales pour les terres, les ressources et les personnes, et les implications de grande envergure que les voyages maritimes européens et les expéditions coloniales auraient à travers le monde.

Fac-similé du XIXe siècle d'un globe du XVIe siècle du type représenté à Holbein’s Les ambassadeurs, 12 fuseaux en papier montés sur sphère en bois massif, 54 cm (Bibliothèque Beinecke, Yale)

Ce qui rend le globe de Holbein encore plus fascinant, c'est qu'il reproduit un véritable globe du XVIe siècle. Holbein a copié un globe terrestre tel que la réplique de la bibliothèque Beinecke Rare Book & Manuscript Library de l'Université de Yale, vers 1526. L'original était un globe imprimé, rendu possible par la révolution de la technologie d'impression qui avait transformé l'Europe depuis le milieu du XVe siècle. . Le globe a probablement été imprimé à Nuremberg et était populaire dans les années 1520 et 30. Sur le globe imprimé, il y a des références claires au tour du monde de Ferdinand Magellan qui a été achevé en 1522. Le globe fait alors allusion à la domination des Habsbourg, puisque Charles V, un Habsbourg, avait parrainé Magellan. Malgré les emprunts de Holbein au globe imprimé, il omet la route de Magellan. Il a été suggéré qu'il s'agissait d'un effort de Holbein, qui savait que son patron était un sujet de François Ier, pour minimiser le pouvoir des Habsbourg.

Pierre Apian, Une instruction nouvelle et bien fondée dans l'arithmétique de tous les marchands (détail), Hans Holbein le Jeune, Les ambassadeurs, 1533, huile sur chêne, 207 x 209,5 cm (The National Gallery, Londres, photo : Steven Zucker, CC BY-NC-SA 4.0)

Comme le globe et le tapis turc, le livre posé sur la table juste devant le globe fait également allusion à l'importance du commerce. La manière précise de Holbein de peindre le livre nous permet de l'identifier comme un texte arithmétique, en particulier celui de l'astronome allemand Peter Apian. Une instruction nouvelle et bien fondée dans l'arithmétique de tous les marchands (Eyn Newe unnd wolgegruündte underweysun aller Kauffmannss Rechnung). Le livre traite des profits et des pertes, un aspect important du mercantilisme et du commerce à cette époque. Les instruments de navigation sur le plateau supérieur indiquent également des activités commerciales qui ont parrainé les voyages et les échanges, mais aussi l'expansion et la colonisation impérialistes. Chacun est un thème important dans cette peinture complexe.

Ressources additionnelles

David Carrier, Une histoire mondiale de l'art et de ses objets (Parc universitaire : Penn State University Press, 2008).

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Lisa Jardine et Jerry Brotton, Intérêts mondiaux : l'art de la Renaissance entre Orient et Occident (Londres : Reaktion, 2000).

Jerry Brotton, Le bazar de la Renaissance : de la route de la soie à Michel-Ange (Oxford : Oxford University Press, 2002)


Hans Holbein - Biographie de l'artiste avec portfolio de peintures, estampes et dessins

Les peintures les plus connues de Holbein sont un who's who de l'apogée de la société anglaise à cette époque, y compris des artistes comme Henry VIII, Sir Thomas More, Sir Thomas Wyatt, Jane Seymour et Anne de Clèves dans son travail. Hansholbein.net vous a présenté 25 de ses plus belles œuvres et discute également de sa carrière influente en détail, abordant ses œuvres une par une.

Hans Holbein était sans aucun doute un excellent artiste, mais sa carrière est également un excellent guide visuel pour ceux qui cherchent à comprendre cette période de l'histoire anglaise et à mettre des visages sur les noms qu'ils ont appris.

Henry VIII lui-même est le plus grand nom de cette période et ses propres portraits se sont avérés extrêmement populaires ces dernières années, les reproductions d'affiches ou d'affiches d'art étant très courantes pour les fans de son travail qui se trouvent principalement en Europe et en Amérique du Nord. . Vous pouvez trouver des portraits de Holbein Henry VIII ici avec tous les différents inclus.

Ambassadors est l'œuvre d'art la plus mémorable de Holbein autre que sa série sur Henry VIII et vous pouvez la voir ci-dessus. Ambassadors est disponible à partir des liens fournis sous forme de reproduction d'impression d'art du détaillant d'art recommandé, Art.com, qui propose également des toiles étirées et des affiches de peintures originales de Hans Holbein le Jeune.

Il y a une grande sélection disponible dans la galerie qui est également liée à ci-dessus et tout au long de ce site Web qui vise à vous offrir des informations sur le meilleur endroit pour acheter des reproductions Holbein. Les peintres Holbein sont intéressants et inhabituels en ce qu'en dépit de leur nationalité allemande évidente, ils sont maintenant beaucoup plus connus au Royaume-Uni en raison de la façon dont ils ont produit des portraits de la monarchie qui représentaient à l'époque l'Angleterre et la Grande-Bretagne en tant que telle.

Ce n'est pas le seul cas d'un artiste qui s'est fait un nom à l'étranger, avec l'Anglais Alfred Sisley par exemple, après s'être fait une réputation de la peinture impressionniste française qui l'a conduit à être beaucoup plus à l'aise outre-Manche en France que sa propre ville natale. Beaucoup ont soutenu que le style de Holbein était influencé par Dieric Bouts, Jan van Eyck, Hans Memling et Quentin Metsys, tous originaires d'Europe du Nord dans les régions allemande et néerlandaise.

Monsieur Thomas More

Sir Thomas More était une figure à part entière dans les coulisses de la monarchie au pouvoir à l'époque de la carrière d'Holbein le Jeune et il était donc presque inévitable qu'il devienne un sujet dans une peinture d'Holbein à un moment donné. Le tableau ci-dessus est le meilleur portrait que Holbein ait produit de Sir Thomas More, mais il y en avait beaucoup d'autres qui méritent également d'être étudiés. Il est toujours intéressant pour les historiens de voir comment des individus clés ont été capturés par un artiste et ces peintures peuvent souvent offrir d'excellents indices supplémentaires sur la personnalité et le statut de chaque individu.

Le roi Henri VIII

Le roi Henri VIII était l'un des dirigeants les plus importants de la monarchie anglaise et se vantait également de l'une des personnalités les plus fortes de tous les rois avec une attitude audacieuse que l'on peut voir dans plusieurs de ses portraits créés par Holbein qui était un artiste que le roi était connu pour apprécier et cela a été soutenu par le grand nombre de fois que Holbein a été chargé de peindre le roi sur une longue période de temps.

Holbein a passé du temps à la fois sur des œuvres complètes et sur des portraits de tête plus simples d'Henry et ils sont tous venus plus tard sous le règne de ce roi mémorable, époque à laquelle ses beaux jeunes regards étaient passés depuis longtemps, en partie à cause de l'âge naturel et en partie à cause à un accident qu'il a connu plus tôt dans son règne à une époque où Holbein se bâtissait encore une réputation d'artiste et n'avait pas encore fait sa marque. Le roi Henri VIII était un personnage extrêmement puissant qui n'aurait accepté aucun service dont il n'était pas satisfait et aurait donc été un client difficile à satisfaire pour tout artiste choisi pour produire un portrait de lui.

Il est impressionnant que Holbein ait pu en quelque sorte créer des œuvres qui lui plaisaient et qui soient restées inchangées alors que la plupart des autres artistes auraient probablement rencontré des problèmes. Il est probable que la confiance en soi de ce peintre ait contribué à faire apprécier son travail et à garantir l'arrivée de futures commandes. Peut-être que le roi a apprécié l'ouverture et la franchise de ce peintre allemand et a vu une certaine ressemblance avec son propre caractère impétueux qui a dirigé avec succès le pays à travers une période turbulente.

Jane Seymour

Jane Seymour était une épouse célèbre du roi Henri VIII et a également reçu un portrait commandé de Hans Holbein. Son portrait est montré ci-dessus et offre un aperçu intéressant d'un élément clé de la vie d'Henry alors qu'il protégeait son règne en essayant de produire une série de fils qui pourraient lui succéder. Cette obsession a causé de grandes frictions dans sa vie et a été la cause de son remariage constant. Cette partie de la vie du roi a été étudiée dans des détails exceptionnels et en tant que tels, les portraits de ses épouses telles que Jane Seymour sont extrêmement utiles pour nous aider à mieux comprendre chacune d'entre elles.

Anne de Clèves

Anne de Clèves était une autre épouse du roi Henri VIII, et son portrait le plus connu de Holbein est inclus ci-dessus. En tout, il y avait six femmes et chacune a joué son rôle dans les affaires compliquées de la monarchie anglaise à cette époque. Holbein a réussi à capturer chacune des femmes qu'il a peintes dans un style personnel qui aide les historiens à comparer chacune d'entre elles. Il reste encore un doute quant à savoir qui a organisé Holbein pour produire chaque portrait des épouses, mais son succès dans la représentation du roi l'aurait placé en tête de la liste des candidats appropriés pour couvrir toutes les autres grandes personnalités politiques de cette époque.

Portrait d'Henri VII

Les portraits d'Henri VII se poursuivent directement au-dessus avec un autre inclus. Il y a eu toute une série de Holbein au total, toutes produites à plusieurs années d'intervalle et servant de journal visuel aux progrès de cette figure de proue nationale qui a apporté de nombreux changements au pays qui se font encore très sentir aujourd'hui, plusieurs siècles plus tard. Pour ceux qui souhaitent en savoir plus sur la liste des peintures de l'artiste, ou même acheter leurs propres copies sous forme d'impression d'art, d'affiche ou de toile tendue, veuillez consulter la liste au bas de la page qui comprend toutes ses contributions notables à l'art européen scène de cette époque.

John Fisher évêque de Rochester

John Fisher Bishop of Rochester était un autre noble influent à cette époque et son portrait se trouve ci-dessus. Ces personnes auraient le sentiment que l'utilisation du même peintre que celui utilisé par le roi donnerait immédiatement à leur statut une importance accrue et leurs propres portraits seraient toujours accrochés dans leur propre résidence, souvent quelque part à la campagne.

Les familles de cette époque utilisaient ces portraits pour témoigner de la longue histoire de succès au sein de leurs propres familles qui auraient accumulé de grandes quantités de richesse sur plusieurs générations par divers moyens.

Liste des peintures de Hans Holbein le Jeune

En plus de celles énumérées ci-dessus, d'autres images Holbein sont incluses ci-dessous, ainsi que cette liste complète de peintures à l'huile célèbres de la carrière de Hans Holbein le Jeune.


Hans Holbein, le Jeune, "Sir Thomas More"

Hans Holbein est venu de Suisse à Londres en 1526, un an seulement avant de dater ce portrait. Avec une lettre d'introduction du philosophe Erasmus, Holbein entra dans le cercle raréfié de Sir Thomas More (1477/78-1535) et habita bientôt près de lui à Chelsea. Plus, dans une lettre à Erasmus, a parlé de Holbein comme " un artiste merveilleux. " Célèbre en tant qu'érudit humaniste et auteur de la Utopie, More était aussi un homme d'État puissant. À cette époque, il avait déjà servi Henri VIII en tant que conseiller privé pendant plus d'une décennie et devint son lord chancelier en 1529. Mais More refusa par la suite de souscrire à l'Acte de suprématie, faisant du roi la tête de l'Église d'Angleterre, et pour cela il a été reconnu coupable de haute trahison et décapité le 6 juillet 1535. Un dessin de Holbein au château de Windsor a servi de modèle à ce tableau, mais l'artiste y a apporté de nombreuses modifications. Évocation de l'esprit et du caractère d'un homme, ce portrait a peu d'égal. La chaîne S-S en or était un emblème de service au roi. Les lettres représentent la devise Souvent me souvien, ou, Pensez à moi souvent.


4. Holbein a peint ses chefs-d'œuvre les plus célèbres à la cour royale

Les ambassadeurs de Hans Holbein le Jeune, 1533, via la National Gallery

Avec son portrait emblématique d'Henri VIII, Les ambassadeurs fait partie des œuvres les plus célèbres de Holbein. Le tableau montre deux Français qui résidaient à la cour d'Angleterre en 1533 et regorge de sens cachés. De nombreux objets représentés représentent la division de l'église, tels que le crucifix à moitié caché, la corde de luth cassée et l'hymne écrit sur la partition. Un symbolisme aussi complexe démontre la maîtrise du détail de Holbein.

Le signe le plus frappant, cependant, est sans aucun doute le crâne déformé qui domine le premier plan inférieur. Dès le départ, le contour grossier du crâne peut à peine être perçu, mais en se déplaçant vers la gauche, la forme complète devient claire. Holbein exploite ainsi sa maîtrise de la perspective pour refléter la nature mystérieuse mais indéniable de la mortalité.


VÊTEMENTS POUR ENFANTS

La micromode des années 1530 a continué à refléter les tendances des adultes. Comme Hill le fait remarquer avec ironie : « Même les bas des garçons prépubères étaient façonnés avec la forme exagérée d'une braguette rembourrée » (355). Edward VI, fils d'Henry VIII (voir l'icône de mode ci-dessus) et de Jane Seymour (Fig. 14 ci-dessus), est habillé un peu comme son père avec des manches doublet en tissu d'or et un justaucorps de velours rouge orné de cordon d'or et noué de aiguillettes. Son bonnet de velours rouge décoré de plumes d'autruche et encore d'aiguillettes ressemble beaucoup à celui de son père. Davenport note que l'utilisation d'aiguillettes ici et par la noblesse en général était d'élever ce « chapeau extrêmement populaire » à un statut plus élevé (431).

Deux portraits du jeune Maximilien d'Autriche (Figs. 2-3) montrent les cols hauts et les cheveux coupés que l'on voit généralement chez les jeunes garçons (Davenport 496). Le crâne chauve du bambin John, frère de Maximilien, contraste comiquement avec ses somptueux vêtements d'adulte.

Fig. 1 - Hans Holbein le Jeune (allemand, 1497-1543). Edouard VI enfant, Californie. 1538. Huile sur panneau 56,8 x 44 cm (22 3/8 x 17 15/16 in). Washington : Galerie nationale d'art, 1937.1.64. Collection Andrew W. Mellon. Source : NGA

Fig. 2 - Jakob Seisenegger (autrichien, 1505-1567). Portrait de Maximilien d'Autriche (1527-1576), âgé de trois ans, 1530.Huile sur panneau 43 x 34,4 cm. La Haye : Mauritshuis Royal Picture Gallery, 271. Source : Mauritshuis

Fig. 3 - Jakob Seisenegger (autrichien, 1505-1567). Maximilien et ses jeunes frères Ferdinand II et Jean, 1539. Huile sur toile 40 x 60 cm. Vienne : Kunsthistorisches Museum, GG_8191. Source : Kunsthistorisches

Le portrait d'un jeune étudiant de Jan van Scorel (Fig. 4) offre un regard rare sur la tenue vestimentaire d'un individu non royal. Jane Huggett et Ninya Mikhalia décrivent sa tenue en L'enfant Tudor (2013):

« Cet écolier bourgeois est simplement mais honorablement vêtu de noir avec un bonnet de tricot rouge. Il porte une chemise de lin finement froncé fermée par deux boutons de fil et des boucles. Par dessus, il a un double à col montant coupé d'un seul tenant avec le corps. Son manteau a des jupes plissées et une ouverture recouverte d'un rabat à fermeture sur le devant avec des pointes de chaque côté de la poitrine. Il a également un col montant intégral. (29)

Eleanor aux joues roses (Fig. 5) était le huitième enfant de l'archiduc Ferdinand d'Autriche (avant son élection en tant qu'empereur romain germanique) et de son épouse Anne de Bohême et de Hongrie, ce qui explique son style plus germanique de s'habiller avec des manches roses étroites ornées avec des bandes de velours noir et des bouffées de tissu transparent.

Le portrait de Jan Gossaert d'une jeune princesse, peut-être Dorothea de Danemark (Fig. 6) la montre dans un corsage de coupe carrée avec une légère élévation au centre, avec de grandes manches crème représentant des nœuds bleus entrelacés et ornées de centaines de perles. Sa coiffe de style capuche française est à nouveau bordée de nombreuses perles - pas une tenue pour se défouler sur le terrain de jeu!

Fig. 4 - Jan van Scorel (Netherlandish, 1495-1562). Portrait d'un jeune étudiant, 1531. Huile sur panneau 46,5 x 35 cm. Rotterdam : Musée Boijmans, 1797. Aankoop / Achat : 1864. Source : Boijmans

Fig. 5 - Jakob Seisenegger (autrichien, 1505-1567). Archiduchesse Eleanor (1534-1594), duchesse de Mantoue à l'âge de deux ans, Californie. 1536. Huile sur tilleul 34 x 27 cm. Vienne : Kunsthistorisches Museum, 872. Source : KHM

Fig. 6 - Jan Gossaert (Netherlandish, actif 1508 est mort 1532). Une jeune princesse (Dorothée de Danemark ?), Californie. 1530-32. Huile sur chêne 38,2 x 29,1 cm. Londres : National Gallery, NG2211. Source : Galerie nationale

Les références:
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  • Boucher, François, Yvonne Deslandres et John Ross. Une histoire du costume en Occident : avec 1188 illustrations, 365 en couleurs. Londres : Tamise et Hudson, 1997. http://www.worldcat.org/oclc/443676264.
  • Cunnington, C. Willett et Phillis Cunnington. Manuel du costume anglais au XVIe siècle. Londres : Faber et Faber, 1954. http://www.worldcat.org/oclc/362761.
  • Davenport, Millia. Le livre des costumes. New York : Crown Publishers, 1948. http://www.worldcat.org/oclc/922657048.
  • De Marly, Diane. La mode masculine : une histoire illustrée. Londres : B.T. Batsford Ltd, 1985. http://www.worldcat.org/oclc/752978274.
  • « École allemande/néerlandaise du XVIe siècle - Portrait d'un homme en rouge ». Consulté le 21 juin 2019. https://www.rct.uk/collection/405752/portrait-of-a-man-in-red.
  • Hayward, Maria, éd. Habillez-vous à la cour du roi Henri VIII. Leeds : Maney, 2007. http://www.worldcat.org/oclc/997437672.
  • ———. Habillement riche : l'habillement et la loi dans l'Angleterre d'Henri VIII. Farnham, Angleterre : Ashgate, 2009. http://www.worldcat.org/oclc/990796848.
  • Hill, Daniel Delis. Histoire du costume et de la mode du monde. Upper Saddle River, NJ : Pearson Prentice Hall, 2011. http://www.worldcat.org/oclc/768100950.
  • Huggett, Jane, Ninya Mikhaila, Jane Malcolm-Davies et Michael Perry. L'enfant Tudor : vêtements et culture 1485 à 1625. Hollywood : médias assez spécifiques, 2013. http://www.worldcat.org/oclc/925431430.
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  • Reynolds, Anna. In Fine Style: L'art de la mode Tudor et Stuart. Londres : Royal Collection Trust, 2013. http://www.worldcat.org/oclc/824726826.
  • Fiducie de la collection royale. "Giulio Romano (Rome vers 1499-Mantoue 1546) – Portrait de Margherita Paleologo." Consulté le 21 juin 2019. https://www.rct.uk/collection/405777/portrait-of-margherita-paleologo.


Voir la vidéo: Hans Holbein le Jeune: portrait inédit de la famille du peintre. 1 000 chefs-dœuvre 1216 (Février 2023).

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