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10 choses que vous ne savez peut-être pas sur James Dean

10 choses que vous ne savez peut-être pas sur James Dean


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1. Il a été en grande partie élevé par sa tante et son oncle.

Né dans une petite ville de l'Indiana, Dean a rapidement déménagé avec ses parents à Santa Monica, en Californie, lorsque son père, un prothésiste dentaire, a été transféré dans un hôpital. Mais à l'âge de 9 ans, sa mère est décédée d'un cancer et il a été renvoyé dans l'Indiana pour vivre dans la ferme de sa tante et de son oncle. À partir de ce moment-là, il a rarement vu – ou même parlé – à son père, à part un bref séjour au cours duquel il est resté dans la maison de son père tout en fréquentant le Santa Monica City College.

2. Grâce à un accident d'enfance, ses dents de devant étaient fausses.

Décrit par son cousin comme "jamais du genre à rester immobile", un jeune doyen s'est fait casser les deux dents de devant alors qu'il se balançait sur un trapèze dans la grange de sa tante et de son oncle. (Dean a ensuite embelli l'histoire, affirmant qu'il les avait perdus dans un accident de moto.) En tant qu'adulte, il aurait apprécié des connaissances surprenantes en retirant avec désinvolture ses fausses dents au milieu d'une conversation.

3. Il a établi un record local de saut à la perche.

Malgré sa myopie, sa petite taille et sa maigreur, Dean était un athlète hors pair dans son lycée de l'Indiana, jouant au baseball, au basket-ball et à la course à pied. "C'était un joueur enivrant et un bon compétiteur", a déclaré un jour son entraîneur de basket-ball à un journaliste. "Il était ce que vous appelleriez un garçon de type All-American proprement coupé." Dean a particulièrement excellé au saut à la perche, battant le record du comté au moment où il a obtenu son diplôme en 1949.

4. Son premier concert professionnel était une publicité pour des boissons gazeuses.

Dean a joué dans plusieurs pièces de théâtre au lycée et a continué à jouer à l'université, en particulier après avoir été transféré du Santa Monica City College à l'UCLA à l'automne 1950. Peu de temps après avoir remporté un rôle dans une production de l'UCLA de "Macbeth", un frère de fraternité bien connecté a apporté avec lui pour servir de figurant dans une publicité Pepsi-Cola. Le lendemain, Dean a filmé un deuxième spot, dans lequel il dansait autour d'un juke-box tout en chantant un jingle Pepsi. Après avoir fait bonne impression, le même producteur l'a engagé pour jouer John the Apostle dans "Hill Number One", une émission télévisée diffusée à Pâques 1951. Bien qu'il n'ait eu que quelques lignes, c'était apparemment suffisant pour certaines filles à un Lycée paroissial de Los Angeles pour former son premier fan club : l'Immaculate Heart James Dean Appreciation Society.

5. Dean n'a joué que dans trois films.

Après avoir abandonné l'université pour se consacrer à plein temps au métier d'acteur, Dean a décroché de petits rôles dans quelques films hollywoodiens avant de déménager à New York en octobre 1951. Là-bas, il est apparu dans deux pièces de Broadway et de nombreuses émissions de télévision. Pourtant, il n'a connu son grand succès qu'en 1954, lorsque son interprétation d'un garçon au foyer gay dans la pièce "L'Immoraliste" l'a attiré l'attention du réalisateur Elia Kazan. Avec l'approbation de John Steinbeck, Kazan a choisi Dean dans une adaptation à l'écran du roman épique de Steinbeck "East of Eden". Ainsi propulsé au rang de célébrité, Dean a ensuite tourné "Rebel Without a Cause", le seul film dans lequel il a reçu la première place, et "Giant", qui mettait en vedette Elizabeth Taylor et Rock Hudson. D'autres films étaient en préparation, mais Dean est mort avant de pouvoir les faire.

6. Dean a été le premier acteur à recevoir une nomination aux Oscars à titre posthume.

Les directeurs de la photographie, les compositeurs, les écrivains, une actrice et un costumier avaient tous reçu des nominations aux Oscars à titre posthume, mais jamais un acteur masculin jusqu'en 1956, lorsque le portrait de Dean de l'adolescent troublé Cal Trask dans "East of Eden" lui a valu le titre de meilleur acteur. L'année suivante, il a de nouveau été nominé pour le meilleur acteur, cette fois pour avoir joué le joueur de ranch Jett Rink dans "Giant". Il n'a cependant pas gagné l'une ou l'autre année, perdant respectivement contre Ernest Borgnine et Yul Brynner. Depuis lors, plusieurs autres stars ont également remporté les nominations du meilleur acteur ou du meilleur acteur de soutien après leur mort, dont Spencer Tracy et Heath Ledger, mais Dean reste le seul à avoir deux nominations posthumes.

7. Il était un passionné de voitures de course.

Amoureux de la vitesse, Dean aurait utilisé une partie de son avance « East of Eden » pour acheter un cabriolet rouge et une moto. En mars 1955, il avait commencé à participer à des courses sur route, guidant une Porsche Super Speedster blanche vers une deuxième place à ses débuts à Palm Springs, en Californie. Alors qu'il travaillait sur "Giant", le studio l'a contractuellement interdit de courir. Mais à la fin du film, il a échangé le Speedster contre une Porsche 550 Spyder encore plus puissante, qu'il a surnommée "Little Bastard".

8. Il a reçu une contravention pour excès de vitesse deux heures avant sa mort.

Dans l'après-midi du 30 septembre 1955, alors que Dean conduisait sa toute nouvelle Porsche Spyder à une course sur route à Salinas, en Californie, un policier lui a infligé une contravention pour avoir roulé à 65 mph dans une zone de 55 mph. Un peu plus de deux heures plus tard, une berline Ford Tudor est entrée en collision avec Dean à la jonction de l'actuelle autoroute 46 et de l'autoroute 41, à environ 80 milles de Bakersfield. Dean, qui s'est cassé le cou et a subi de graves blessures internes, a été déclaré mort à son arrivée dans un hôpital voisin. À ce jour, on ne sait pas s'il faisait de la vitesse à ce moment-là. Un jury du coroner a estimé que l'accident était accidentel "sans intention criminelle".

9. Sa voiture serait maudite.

George Barris, un célèbre customiseur automobile qui a travaillé sur la Porsche Spyder de Dean, a affirmé avoir acheté la voiture après la mort de l'acteur. Il a dit plus tard que lorsqu'il est arrivé dans son magasin, il est tombé d'une remorque et a écrasé les jambes d'un employé, et que le chaos et le mystère ont continué à le suivre pendant des années par la suite. Barris a affirmé, par exemple, qu'un voleur a glissé et s'est cassé le bras en essayant de s'enfuir avec le volant, et que ceux qui ont acheté les pièces de la Porsche se sont retrouvés dans des accidents mortels. Pendant ce temps, le mécanicien de Dean, qui était assis à côté de lui au moment de l'accident, est décédé dans un accident de conduite en état d'ébriété en 1981 à la suite de plusieurs tentatives de suicide. Bien que la légende de la malédiction perdure, la plupart des experts doyens doutent de la véracité des déclarations de Barris. La localisation actuelle de la voiture reste inconnue.

10. Il est brièvement sorti avec une actrice de ‘Seinfeld’.

Dans les années qui ont suivi sa mort, de nombreux hommes et femmes ont déclaré avoir eu des relations amoureuses avec Dean. Une de ces affirmations est venue de Liz Sheridan, mieux connue pour avoir joué la mère de Jerry Seinfeld dans l'émission télévisée "Seinfeld", qui a écrit un mémoire en 2000 intitulé "Dizzy & Jimmy: My Life with James Dean: A Love Story". Selon le livre, Sheridan et Dean se sont rencontrés à New York en 1951, ont rapidement emménagé ensemble et se sont fiancés à un moment donné.


10 choses que vous ne saviez probablement pas sur F. Scott Fitzgerald

Soigneusement recherché et agréable à lire, l'historien David S. Brown&rsquos Paradis perdu : une vie de F. Scott Fitzgerald est une biographie originale et convaincante qui séduira les fans de Fitzgerald et les historiens de la culture. Brown partage quelques faits peu connus de la biographie.

Tout le monde connaît F. Scott Fitzgerald. On se souvient de lui comme du &ldquoGreat American Dreamer&rdquo,» l'auteur de Gatsby le magnifique, et l'homme qui a inventé l'expression "l'âge du jazz". Pourtant, il gardait quelques secrets pour lui. Voici quelques faits de ma biographie, Paradis perdu : une vie de F. Scott Fitzgerald, que vous ne connaissez peut-être pas :

1. Fitzgerald a écrit le &lsquogrand roman américain&rsquo en Europe. En mai 1924, Scott Fitzgerald, sa femme Zelda et leur fille de deux ans, Scottie, embarquent à bord du SS Minnewaska à New York à destination de Cherbourg France. Au cours des mois suivants, alors qu'il était à Paris, sur la Côte d'Azur et en Italie, Fitzgerald écrivit Gatsby le magnifique, considéré comme une histoire typiquement & ldquo-américaine & rdquo qui soulève de sérieuses questions sur la mythologie de l'auto-assistance du pays. L'ambiance crépusculaire du roman pourrait avoir été suggérée par son auteur en séjour européen. Le continent ne sortait que lentement des horreurs de la Première Guerre mondiale.

2. Fitzgerald voulait être poète. Pendant son séjour à Princeton Fitzgerald a écrit un certain nombre de poèmes. Il s'inspire de Keats, encouragé par son camarade de classe John Peale Bishop, et souhaite devenir l'Américain Rupert Brooke, le jeune poète britannique décédé en 1915 alors qu'il se rendait au débarquement de Gallipoli. En 1917, alors qu'il était dans l'armée, Fitzgerald présuma qu'il pourrait rencontrer une mort glorieuse au combat et souhaita laisser derrière lui une déclaration générationnelle définitive. Mais il a trouvé impossible de construire sur ses poèmes collégiaux dans une atmosphère d'armée et s'est plutôt tourné vers un roman qui, après de nombreux remaniements, a été publié en 1920 sous le titre Ce côté du paradis.

3. Fitzgerald a écrit une pièce qui a bombardé. Au début des années 1920, Fitzgerald a travaillé sur Le légume, une pièce qui dénigrait la folie de l'avance américaine. Le &ldquoLégume&rdquo en question, Jerry Frost, veut être facteur. Il se serre une nuit et rêve qu'il est président. En fait, il ne veut pas plus être président qu'il ne veut être un caniche - il pense juste qu'il devrait veulent être président dans une culture obsédée par le pouvoir, l'argent et la mobilité. Le regard sceptique de Fitzgerald&rsquos sur le rêve américain dans cette pièce ne l'a pas fait aimer du public. La pièce a ouvert ses portes au théâtre Apollo d'Atlantic City en novembre 1923 et est décédée en une seule représentation décourageante.

4. Jay Gatsby ressemble au grand-père maternel de Fitzgerald. Philip Francis McQuillan a émigré à huit ans du comté de Fermanagh, en Irlande, en 1842, s'installant avec sa famille à Galena, dans l'Illinois. Comme Gatsby, McQuillan s'est déraciné et s'est réinventé. Il s'installe en 1857 à St. Paul, capitale du territoire du Minnesota, où il tient les comptes de Beaupre & Temple, une épicerie en gros. A 38 ans, il reprend l'affaire et accumule rapidement une fortune. Passé de la pauvreté des immigrés à la prospérité de l'ère industrielle, il mourut jeune (une semaine seulement après son 43e anniversaire), souffrant d'une néphrite chronique aggravée par la tuberculose. Il a laissé un héritage de 270 000 $, environ 6 millions de dollars en dollars courants.

5. Fitzgerald a assisté mais n'a jamais obtenu son diplôme de Princeton. Après deux ans dans une école préparatoire du New Jersey, Fitzgerald voulait aller à l'université de l'Est. Princeton, avec son air posé et privilégié d'Ivy, l'attirait immensément. Il a passé - et a échoué - ses examens d'entrée à deux reprises avant de rencontrer le comité d'admission du Collège à l'occasion de son 17e anniversaire et s'est imposé à l'école. Au cours des quatre années suivantes, il a négligé ses études, consacrant ses meilleures énergies à écrire pour un certain nombre de publications sur le campus et à rédiger les paroles d'une comédie musicale présentée par le Princeton University Triangle Club. À l'hiver 1917, sur le point d'échouer à l'école, Fitzgerald quitte l'université pour rejoindre l'armée.

6. Fitzgerald&rsquos père a aidé les soldats confédérés pendant la guerre civile. Edward Fitzgerald a grandi dans la région du comté de Rockville/Montgomery dans le Maryland, qui, en raison de son économie de tabac et d'esclavage, a favorisé la Confédération pendant la guerre civile. À l'âge de neuf ans, Edward a ramé des espions confédérés à travers le fleuve Potomac. Plus tard, il a aidé un membre des Mosby&rsquos Raiders à éviter d'être arrêté, et il a encouragé l'armée de Jubal Early alors qu'elle repoussait les forces de l'Union lors de la bataille de Monocracy juste à l'extérieur de Frederick, à proximité. La connexion distante de Scott avec Francis Scott Key, écrivain de &ldquoThe Star-Spangled Banner&rdquo est souvent notée, bien que sa connexion confédérée moins distante ait également joué un rôle puissant dans la formation de son sens de l'histoire américaine.

7. Scott et Zelda se sont mariés quelques jours seulement après la publication de son premier roman. Le premier samedi d'avril 1920, huit jours seulement après la publication de son premier roman, Ce côté du paradis, Fitzgerald a épousé Zelda Sayre de Montgomery, Alabama. C'était une petite cérémonie précipitée au presbytère de la cathédrale Saint-Patrick de New York. Trois des sœurs de Zelda y ont assisté mais aucun parent n'était présent et aucune fête ou réception n'a suivi le service. Les Fitzgerald ont passé leur lune de miel à l'hôtel Biltmore et Zelda a investi dans une nouvelle garde-robe plus chic.

8. Zelda venait d'une famille méridionale notable. Comme Fitzgerald, Zelda Sayre (nommée par sa mère pour une reine gitane fictive) pourrait indiquer des liens familiaux directs avec l'ancienne Confédération. Son grand-oncle, Jon Tyler Morgan, avait été général confédéré et siégeait plus tard au Sénat américain. Son grand-père maternel, Willis Benson Machen du Kentucky, a servi dans les premier et deuxième congrès confédérés et, brièvement, au Sénat des États-Unis. Le père de Zelda&rsquos, Anthony Dickinson Sayre, était juge associé à la Cour suprême de l'Alabama de 1909 à 1931. La famille Zelda&rsquos avait un petit personnel domestique et vivait dans le quartier ouest à la mode de Montgomery.

9. Fitzgerald voulait écrire un matricide. Suivant Le Grand Gatsby&rsquos publication, Fitzgerald espérait écrire un roman social important en son centre devait être un meurtre - un matricide. La célèbre affaire Léopold et Loeb (1924) impliquant le meurtre à Chicago d'un petit garçon par deux adolescents a peut-être suggéré l'intrigue. Appelé diversement Le garçon qui a tué sa mère, La Foire Mondiale, et Notre type, Fitzgerald ne pouvait écrire que quatre chapitres. Des besoins financiers persistants l'ont obligé à produire des histoires courtes tandis que la panne de Zelda en 1930 l'a conduit dans une direction artistique différente.

10. Le dernier chèque de redevance de Fitzgerald&rsquos était de 13,13 $. En août 1940, Fitzgerald a reçu un chèque de redevance pour un double malchanceux de 13,13 $ quatre mois plus tard, il est décédé d'une insuffisance cardiaque à l'âge de 44 ans. Pour toute l'année, seulement environ 15 exemplaires de Gatsby le magnifique Avait vendu. En l'espace d'une décennie, cependant, un « renouveau » des travaux de Fitzgerald a commencé à influencer à la fois les érudits et les lecteurs, et Fitzgerald est entré dans le canon littéraire américain. En 2013, son éditeur, Scribner's, estimait qu'environ 25 millions d'exemplaires de Gatsby ont été vendus dans le monde entier, loin des moins de 25 000 déplacés au cours de sa vie d'auteur.


10 choses qui pourraient vous surprendre à propos de la Constitution

Alors que nous célébrons la Déclaration d'indépendance et la fondation de la nation, c'est un bon moment pour penser à la Constitution. Voici 10 choses que vous ne savez peut-être pas :

1 La Constitution restreint le pouvoir des gouvernements fédéral, étatiques et locaux, mais pas des groupes privés. Le gouvernement n'a pas le pouvoir de vous dire ce que vous pouvez ou ne pouvez pas dire sur le lieu de travail, mais votre employeur le fait.

2 De 1791, date de sa ratification, jusqu'au 20e siècle, la Déclaration des droits ne restreignait que le gouvernement fédéral. N'importe quel État pourrait restreindre ces droits fondamentaux. En 1937, la Cour suprême a confirmé la condamnation pour meurtre et la condamnation à mort d'un homme du Connecticut jugé deux fois pour le même crime, en violation de la clause de double incrimination du 5e amendement. Le tribunal a déclaré que l'amendement ne s'appliquait pas et que l'État l'a exécuté.

Au XXe siècle, le tribunal a finalement commencé à appliquer la Déclaration des droits aux États, mais progressivement : liberté d'expression (1925), liberté de la presse (1931), liberté de religion (1947), protection contre les perquisitions et saisies. dans le 4e amendement (1961), la clause "peine cruelle et inhabituelle" dans le 8e amendement (1962), le droit à un avocat du 6e amendement (1963), la clause d'auto-incrimination du 5e amendement (1964), le droit à un jury procès (1968), protection contre la double incrimination (1969) et interdiction de caution excessive (1971).

3 Lorsque le Congrès a proposé la Déclaration des droits et l'a transmise aux États pour ratification, ce que nous connaissons aujourd'hui comme le 1er amendement a été classé troisième. Il n'a atteint sa position exaltée que parce que les deux premiers amendements proposés par le Congrès n'ont pas été ratifiés à l'époque.

4 Le 27e amendement, le dernier ajouté à la Constitution, a été proposé par le Congrès en 1789 sans date d'expiration. Il n'a été ratifié qu'en 1992. En vertu de l'amendement, si le Congrès s'accorde une augmentation de salaire, l'augmentation ne peut prendre effet qu'après que les législateurs aient affronté les électeurs lors d'une élection générale.

5 Si aucun candidat présidentiel ne remporte la majorité des voix électorales ou s'il y a égalité, l'élection est décidée par la Chambre des représentants. En vertu de la "règle de l'unité" de la Constitution, chaque État, quelle que soit la taille de sa délégation à la Chambre, obtient une voix. La Californie a 70 fois la population du Wyoming, mais ces États auraient une participation égale à l'élection du président.

6 Le Congrès a le pouvoir de modifier la juridiction d'appel des tribunaux fédéraux, y compris la Cour suprême. Presque tous les cas entendus par la Cour suprême font l'objet d'un appel des tribunaux étatiques ou fédéraux. (Quelques-uns y vont directement sans être examinés par une juridiction inférieure). Ainsi, le Congrès peut retirer tous les cas concernant l'avortement et d'autres questions controversées du rôle de la Cour suprême tant que le président a signé un tel projet de loi ou qu'un veto a été annulé.

7 Le Congrès a le pouvoir de modifier le nombre de juges siégeant à la Cour suprême. Il a augmenté ou réduit le nombre sept fois. Le tribunal a commencé avec six sièges et a eu aussi peu que cinq et jusqu'à 10. Depuis 1869, il y a eu neuf sièges sur le tribunal.

8 Les rédacteurs de la Constitution craignaient que le vice-président n'ait rien à faire, alors ils ont fait de cette personne le chef du Sénat avec le pouvoir de briser l'égalité des voix. "Si le vice-président n'était pas président du Sénat, il serait sans emploi", a déclaré Roger Sherman lors de la convention de 1787.

9 Le vice-président, en tant que président du Sénat, peut présider son procès en destitution. La Constitution dit que le Sénat doit juger toutes les destitutions. Lorsque le président est destitué, le juge en chef est en charge.

10 Pendant une grande partie de l'histoire de la nation, les membres du Congrès élus en novembre des années paires n'ont prêté serment qu'en mars et n'ont tenu leur première session qu'en décembre suivant, 13 mois après leur élection. Le 20e amendement a changé cela en 1933. Maintenant, les membres du Congrès entrent en fonction le 3 janvier et leur première session commence ce jour-là.

Richard Labunski est professeur de journalisme à l'Université du Kentucky et auteur de "James Madison and the Struggle for the Bill of Rights".

Liberté d'expression, de réunion, de religion, de la presse et droit de pétition auprès du gouvernement

Pas de cantonnement des troupes dans les maisons en temps de paix

Pas de fouilles et de saisies abusives

Procédure régulière et protection de la propriété

Procès rapide et public par jury

Procès devant jury dans les affaires civiles

Pas de punition cruelle et inhabituelle

L'énumération des droits ne nie pas les autres droits du peuple

Droits réservés aux états

Égalité de protection en vertu de la loi et d'une procédure régulière

Le droit de vote ne peut être abrégé en raison de la race, de la couleur ou de la servitude antérieure


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Le plus récent 5 commentaires

Eddie. ENFIN tu as écrit quelque chose que je connais un peu. nul autre que le plus grand artiste du monde, Dean Martin ! Depuis plus de deux décennies maintenant, je préside le « Dean Martin Fan Center ».

En fait, je remonte avec Dino au début de ses années d'émission de variétés à la télévision. Vous voyez, j'ai commencé dans mon adolescence en tant que vice-président associé à NBC où Dean a enregistré l'émission. Nous avons fait BEAUCOUP de concerts dans ces studios de Burbank. Rowan & Martin's Laugh-in, The Flip Wilson Show, The Tonight Show avec Johnny Carson, The Midnight Specials, Hollywood Squares, Sanford & Son, Chico & The Man, The Elvis Comeback Special, tous les spéciaux de Bob Hope, The Mac Davis Show . bien vous voyez l'idée.

Le seul spectacle que j'utilise pour toujours "traîner" était le spectacle de Dean. Au cours de 9 ans (et 9 de plus après cela sur ses spéciaux Celebrity Roasts), je pense que je n'ai manqué d'être là qu'UNE semaine.

Alors que tout le monde de mon âge était dans "l'acid rock", j'étais dans Dean. Franc. Ella. Tony Bennett. Mathis. Steve Laurent. etc. Dean était l'homme le plus gentil et le plus drôle que j'aie jamais rencontré. Parlez de vrai talent! Je n'aurais jamais pensé qu'après toutes ces années, Dean serait toujours "avec moi" en esprit, travaillant pour garder sa "flamme" vivante.

Il y a encore plus de choses que les gens ne savent peut-être pas sur Dean. comme s'il était toujours mis du bon côté de ses guest stars parce qu'il avait tellement l'habitude de travailler de ce côté-là avec Jerry. ou qu'il a animé le premier téléthon sur la dystrophie musculaire avec Jerry dans ces années dorées.

Le smoking de Dean a été spécialement fabriqué par Sy Devore avec les cols un peu plus grands et les manches un peu plus larges pour cacher les grosses mains de Dean qu'il a meurtries et battues lorsqu'il était boxeur amateur sous le nom de "Kid Crochet".

Eddie. merci d'avoir écrit un article sur Dean. avec le temps, il est important que la jeune génération sache quel homme vraiment talentueux Dean Martin était vraiment ! J'ai hâte de voir ce que vous écrivez ensuite!


L'intérêt de James pour les transports ne s'arrête pas aux voitures - à tel point qu'en 2006, il a tout mis en œuvre et a obtenu une licence de pilote après une formation à l'aérodrome de White Waltham dans le Berkshire. Posséder son propre avion est une chose, mais à quel point est-ce flash d'avoir une plaque personnalisée sur votre jeu d'ailes ? James 'est G-OCOK après son slogan 'oh cock'. Quel mec.

La carrière de journaliste de May a commencé avec le mot imprimé, mais en 1992, son passage chez Autocar a pris fin assez brusquement. Malade jusqu'aux dents de fond de l'élaboration du Road Test Year Book, notre Jimmy a décidé de faire preuve de créativité et d'énoncer un message secret, du genre « c'est une douleur dans le cul ». Malheureusement, les lecteurs aux yeux d'aigle l'ont repéré et ont pensé qu'ils avaient gagné un prix. James a reçu ses papiers de marche, mais comme les moyens de démarrer, c'est plutôt cool.


5. La justification par la foi affirme que les bonnes œuvres découlent nécessairement de la foi.

La doctrine de la justification par la foi exclut nos œuvres d'obéissance à la loi comme moyen ou cause de notre justification devant Dieu. Mais il affirme aussi que les actes d'amour et les bonnes œuvres découlent nécessairement de notre foi comme fruit de notre foi. Par exemple, Paul enseigne que « dans le Christ Jésus, ni la circoncision ni l'incirconcision ne comptent pour quoi que ce soit, mais seulement la foi agissant par l'amour » (Gal. 5:6). Et Jacques enseigne que notre foi est « complétée par » nos œuvres (Jacques 2:22), concluant qu'« une personne est justifiée par les œuvres et non par la foi seule » (Jacques 2:24). En surface, cela semble corriger et même contredire l'enseignement de Paul sur la justification par la foi. Mais il vaut mieux voir Jacques corriger une fausse représentation de l'enseignement de Paul – une qui dirait que nos œuvres n'ont aucune importance (cfr. Rom. 3:8). En revanche, James enseigne que nos œuvres comptent. Une foi authentique doit aboutir à de bonnes œuvres. Paul enseigne également que la justification par la foi entraîne l'inclusion des croyants païens dans le peuple de Dieu, ce qui m'amène à mon point suivant :


6 Que signifie TJ ?

Thomas Jefferson. Vous vous êtes probablement demandé, peut-être même deviné. Son nom de famille a également été inspiré par l'histoire --- Hooker est un clin d'œil au général de la guerre de Sécession, le général Joe Hooker, selon le créateur Rick Husky. Connaissant le caractère de Hooker, le nom ne pouvait pas mieux lui convenir.

Hooker a une haute moralité, un sens aigu de la justice, et son approche du travail policier est définitivement stratégique, comme le serait l'approche d'un général. Compte tenu de ces traits de personnalité, TJ Hooker a quelque chose de présidentiel et de général.


10 choses que vous ne saviez peut-être pas sur l'album de retour magistral de Common’Be’

Après une réponse tiède à l'expérimental et éclectique Cirque électrique , Common est revenu à l'essence brute du MCing qui a fait de lui l'un des artistes de rap les plus renommés du jeu. Être est un composite de lyrisme adroit, de narration perspicace, d'une éthique afro-centrée. Mais, tout aussi important, l'album présente une toile de fond sonore émouvante fournie par Kanye West et J. Dilla.

De la magnifique intro de la chanson titre aux divers singles - le percutant "The Corner" le venteux "Go!" et le dramatique « Témoigner », — Être est un album maigre et impeccable. Il n'y a pas eu de sauts, avec des coupes profondes comme " They Say ", " Faithful ", " Love is " et " Chi-City " complétant l'un des meilleurs albums de rap des années 2000.

Pour célébrer son anniversaire, nous avons déterré quelques faits sur la création du retour magistral de Common Être. Voici 10 faits que vous ne saviez peut-être pas Être.

Be était le premier album de Common après sa rupture avec Erykah Badu

Common et Erykah Badu sont sortis ensemble depuis plusieurs années. "Crédit photo : M. Caulfield/WireImage pour Essence Entertainment


Quand Common a commencé à écrire Être, chaque domaine de sa vie changeait. Le tout-puissant collectif Soulquarian continuerait à travailler sur des projets séparés après Cirque électrique, son album précédent, n'était pas aussi apprécié que ses œuvres précédentes. De tous les changements que Common connaissait, sa rupture publique avec la chanteuse soul Neo Erykah Badu a peut-être été le plus important de tous. Les deux sont sortis ensemble pendant plusieurs années et l'un des singles les plus réussis de Common, "The Light", était dédié à Badu. Et sur "Love Of My Life (An Ode To Hip Hop)", le duo a remporté un Grammy. Mais lorsque le couple a décidé de démissionner, cela a définitivement fait des ravages sur Common.

Dans une interview avec Ebony Magazine, Common a rappelé: "Certains des travaux les plus durs que j'ai faits sur moi-même ont été après des ruptures. Avec Erykah Badu, c'était mon premier amour où tu es juste ouvert et flottant. Quand nous nous sommes séparés, j'avais 27 ou 28 ans. J'étais dans le brouillard, je faisais juste les mouvements. C'était difficile à manger. Ce n’était pas de sa faute, la relation n’a tout simplement pas avancé.

Be ne signifie pas « Avant Erykah ».

"L'album s'intitule Be parce que la chose la plus difficile à faire est d'être soi-même", a déclaré Common à l'époque. Crédit photo : Gustavo Caballero/Getty Images


Il y avait une rumeur selon laquelle Common aurait intitulé l'album Être avec un message caché et subliminal. Il a été allégué que Être signifiait en fait « Avant Erykah ».

Quand AllHipHop a demandé si c'est ce que Être représentait, Common a répondu: «Naw. L'album s'intitule Être parce que la chose la plus difficile à faire est d'être soi-même, même si beaucoup pensent que c'est le plus facile, ce n'est vraiment pas le cas. Être c'est juste exister, vous n'avez pas à vous efforcer de faire quoi que ce soit parce que Dieu nous a donné à chacun une caractéristique individuelle et unique qui est au cœur de qui nous sommes. Donc Être c'est à peu près ça, être qui que vous soyez, où que vous soyez.

Être a été enregistré en même temps que Enregistrement tardif.

Kanye West était producteur exécutif de ‘Be’ tout en travaillant sur son propre deuxième album, ‘Late Registration.’ Crédit photo : ‎Def Jam‎, Roc-A-Fella


Sur ses albums précédents, Common a travaillé avec No I.D - qui a produit la majorité de ses trois premiers albums - DJ Premier, J.Dilla, Questlove, James Poyser et D'Angelo. Mais sur Être, Common s'est lié avec son compatriote de Chicago Kanye West qui montait en flèche dans la célébrité. Étonnamment, Kanye était producteur exécutif Être tout en travaillant sur son propre deuxième album, Enregistrement tardif.

Kanye comparait en fait Enregistrement tardif à Être . Tout au long du processus, Kanye a gardé un papier avec les chansons de chaque album, en s'assurant Enregistrement tardif pourrait traîner avec Être. ( En fait, “My Way Home” était initialement censé être activé Être.)

La tactique de M. West a aidé à livrer deux des albums déterminants des années 2000.

Être était la première sortie hip-hop de GOOD Music.

"Non seulement j'aime Kanye [West] de manière créative et en tant que frère, mais nous faisons des affaires avec une vision", a déclaré Common à l'époque. Crédit photo : Johnny Nunez/WireImage via Getty

Le timing ne pouvait pas être meilleur pour Common qui passait de son ancien label. « Il était clair d'après les commentaires de Common’s que cette vision signifiait sacrifier pour le succès. “Je serai toujours fidèle à Kanye parce que j'étais entre deux labels quand nous avons commencé Être , et il a tout produit avant même de recevoir un chèque.”

Common a plus que tenu sa part du marché avec Être qui a remporté quatre nominations aux Grammy Awards et est finalement devenu Gold.

“La nourriture” était à l'origine destinée à un autre artiste


7. Parrack offre l'atelier gratuitement

Nous avons été impressionnés par le fait que l'atelier d'acteur de 3 jours sur les 120 productions de Jim Parrack est offert aux participants gratuitement. Sous les frais d'inscription, l'application indique simplement "pas de rémunération". Cela nous en dit beaucoup sur Jim Parrack, y compris le fait qu'il est une personne généreuse et généreuse, passionnée par le jeu d'acteur et qu'il veut aider les autres qui partagent cet amour de l'art.


10 choses que vous ne saviez probablement pas sur l'ère "Blurryface" de vingt et un pilotes

Peu de choses passent par la Clique, mais il y a eu beaucoup de choses qui se sont déroulées pendant l'ère "Blurryface" que même le fan de vingt et un pilotes le plus dévoué aurait pu manquer.

Vous avez découvert Dema à la fin du Visage flou époque et ont suivi les lettres de Clancy. Et avec d'innombrables théories de vidéoclips tout au long vingt et un pilotes’ carrière, il est clair que peu de choses passent par la Clique. Cependant, avec l'album phare du groupe qui fête ses cinq ans, nous avons pensé tenter le coup.

L'abondance s'est déroulée depuis le coup d'envoi de « Fairly Local » jusqu'à deux ans plus tard, lorsque l'œil métaphorique s'est fermé sur l'époque. Découvrez ci-dessous certaines des choses que vous avez peut-être manquées (et qui valent la peine d'être revisitées) au cours de la Visage flou ère.

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1. Ils ont écrit la majeure partie de l'album sur la route.

TOP ne perdait pas de temps à préparer sa deuxième sortie chez un major. Toujours en train de remplir ses engagements de tournée pour Navire, le duo a aménagé le salon arrière de leur autocar de tournée en studio d' enregistrement . « Chaque soir, nous avons pu commencer à jouer deux personnes différentes – cette personne qui montait sur scène tous les soirs, puis cette personne qui retournait dans ce salon et a commencé à écrire des chansons » Tyler Joseph Raconté Panneau d'affichage . « Donc, nous avons pu nous demander tous les soirs : ‘Qu'est-ce que nous voudrions que notre set ait ?’ Nous examinons l'écriture de chansons à travers le filtre de la musique live, alors nous avons écrit tout ce que nous aimions et ce que nous ressentions de notre set live. nécessaire. En regardant ce nouvel album dans son ensemble, vous pouvez dire que nous avons été vraiment influencés de cette façon. » Le plan était de rechercher certains producteurs qui excellaient dans les genres choisis. À cette fin, Visage flou présente le travail du pop-master Ricky Reed ( Travis Mills , Meghan Trainor, Jason Derulo), le protégé du Dr Dre Mike Elizondo ( Eminem , Mastodonte , Carrie Underwood), Mike Crossey ( le 1975 , LANY , YUNGBLUD ) et Tim Anderson ( Billie Eillish , Halsey , Solange Knowles).

2. Visage flou n'est pas vraiment un album concept du début à la fin

Leur première sortie Fueled By Ramen Navire a clairement propulsé TOP dans l'univers du rock. À première vue, cela ressemblait au titre Visage flou était un commentaire sur la vitesse à laquelle les choses allaient en Joseph et Josh Dunle monde. Naviguer dans leur art et les exigences du monde de la musique était une toute nouvelle expérience pour eux. So while it certainly looked and felt like a concept album, it was truly nothing of the sort.

“I wouldn’t say this was a concept album where a story begins with the first song and the last song ends the story” Joseph explained to AltPress in issue 323. “I describe [Blurryface] as a guy I met in a different dimension. This is gonna sound really dramatic, but that’s the way it is: He represents everything I am insecure about.

“For me, there are a lot of different areas I know I’m insecure about but I need to know how to react [to those things],” Joseph continues. “It helps me to give my insecurities a name and a seat at the table I can look across and address. He’s not a good guy, but he’s a guy I intend on conquering. He’s a guy I have to beat every day. The idea of creating something, making a song and having the courage to show someone that song is a form of defeating that insecurity. It helps me focus on areas of my life I don’t like.”

3. And “Lane Boy” is the song where Tyler Joseph broke character

The video for “ Lane Boy” is pretty on-brand for the Blurryface ère. Joseph has the trademark black paint smeared across his hands and neck, and there are two people in hazmat suits in the white and red aesthetic of the album dancing in the background—a stint the band later took on the road. Despite this, it’s the one song where Joseph stepped away from the overall album concept to speak his mind. “I describe ‘Lane Boy’ as the moment where I broke character,” Joseph told AltPress. “Saying things that weren’t necessarily artistic or beautiful, but exactly what I wanted to say and exactly what I was feeling. I broke character and became a frustrated human. For a moment. I don’t imagine needing to say things like that anymore. I remember showing that song to some people and they said, ‘I don’t think you want to say that…’ And Josh said to me, ‘Let’s say it.’”

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4. Tyler Joseph discovered reggae in Amsterdam and was hooked.

Two songs from Blurryface , “Lane Boy” and “ Ride ,” feature a reggae influence amidst Joseph’s electronic pop stylings. When touring through Europe in support of Vessel , they were playing a club in Amsterdam with multiple stages. After TOP loaded out their gear, Joseph watched a reggae band’s set and became enchanted with the music. He couldn’t tell you who was playing that night, but the experience encouraged him to throw himself into the genre. He discovered bands such as Steel Pulse and thereby expanded his personal musical horizons. “I’ve taken it upon myself to really study reggae and understand it,” Joseph told AltPress in issue 323. “It has a way of moving a track forward that doesn’t seem forced musically. [Hearing reggae] for the first time reminded me of when I first heard the song that made me want to learn to play the piano: the wedding song, Pachelbel’s ‘Canon In D.’ I love the way those notes rub up against each other.”

5. Tyler and Jenna practiced the “Tear In My Heart” fight scene

The bridge in “Tear In My Heart” (“You fell asleep in my car/I drove the whole time…”) was based on Tyler driving long hours back to Columbus from a family vacation trip while his future wife Jenna slept, leaving him to deal with all the madness of traffic. Fittingly, Jenna also appears in the song’s video cleaning her husband’s clock. Director Marc Klasfeld gave the Josephs a 30-second choreographed clip of the fight scene and had them re-enact it. “It was really late at night when we got it,” Jenna remembers in AltPress issue 329. “I’m sure the people around our hotel were like, ‘What are they doing in there?’” At the actual shoot, Tyler told her not to worry and just go for it. “The very first time I had to fake-throw him, he just took it. There were definitely moments where I could feel that I hit him so hard. He definitely got bruised that day.”

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6. They made a video and got paid to hang out with their families

Sur Blurryface ’s release, the band were touring extensively. When it came time to create the video for massive hit “ Stressed Out ,” the duo had been feeling the homesickness. (Consider that lyric from “ Polarize ”: “ I wanted to be a better brother, better son/Wanted to be a better adversary to the evil I have done/I have none to show to the one I love.”) The band and creative director Mark Eshleman scheduled a window of time to return to Columbus to shoot the video, but more importantly, to be with their loved ones. “What’s sad is that right before this tour, our bus came and picked us up at my parents’ house,” Joseph told AltPress in 2015. “My mom said to me right before I got on the bus, ‘You can call me sometime if you want to.’ And I’m like, ‘ Mom ! You can call me!’ And she says, ‘I don’t want to bother you.’” The moment was not lost on Joseph.

7. The album packaging is meant to represent the many layers of Blurryface

In an age of streaming, physical media is often tossed to the wayside. However, if you were one of the few, the proud and the emotional who shelled out for a Blurryface CD or vinyl, then you probably already know this one. twenty one pilots recruited graphic artist Brandon Rike to bring their vision to life for the album’s packaging. Shortly after its release, Rike explained the inspiration behind it , which stemmed from conversations with Joseph. Rike got into the mind of Blurryface by way of Joseph’s descriptions and developed a multi-layered package. “You may buy the album in the store that looks seemingly simple, but as you explore it, you soon find out how conflicted and complicated it all is,” he explains. The artist also gave their Vessel era logo a revamp and kept the Skeleton Clique in mind, calling it “a simple ode to a dedicated fanbase.” Instead of the thick, connected bars, Blurryface ushered in thinner lines so fans could easily recreate it online: I-/.

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8. The band weren’t originally supposed to perform with A$AP Rocky at the VMAs

The one thing that all award shows have in common is “the get.” Who is the elusive superstar to come out of hiding? Who can you get to reunite? The most common get is the collaboration of artists you would’ve never considered. Producers invited TOP to perform at the 2015 Video Music Awards with a big-shot artist who was the new hotness at the time. The duo weren’t feeling the producers’ choice and respectfully declined. “There was an artist they mentioned, and we said ‘Thank you, but we’re going to pass. It doesn’t make sense for us for a number of reasons,’” Joseph told AltPress in issue 329. “And we thought that was it: We had blown our chance to play the VMAs—and it’s gone forever. But it was a good decision and it made sense.”

Decisions like this have been known to impact careers. The producers probably weren’t used to that kind of stance, so they went back to TOP suggesting A$AP Rocky . “I started diving into what he’s all about, and although it’s very different from what we’re coming from, there was a like-mindedness,” Joseph continues. “It was one of the favorite moments of my career. Not because of what everyone saw, but just the learning process of working with another artist and working with the politics of what it means to work on a stage that big.” What could’ve turned out as career suicide ended up being one of the most high-spirited performances of that night’s event.

9. There could have been a twenty one pilots “big band.”

While touring during the Blurryface era, Joseph revealed to AltPress that he once considered putting together an expanded version of twenty one pilots with some of his favorite musicians. The idea obviously didn’t come to fruition. However, fans got a glimpse of the possibilities when they collaborated with Mute Math sur le TOP X MM projet. The moments of deconstruction the two bands created gave way to a six-piece band-blast version of “Heavydirtysoul.” This project may have influenced Joseph to explore his personal deconstructed versions of songs from Trench . Mute Math frontman Paul Meany adds another important reason for the collaboration. “Historically, both of our bands build shows on backing tracks,’” he told AltPress in issue 367. “The only caveat going into this—and it was quite liberating—was that there were no backing tracks for any of us. As a six-piece band, we were able to pull this off and make it sound as good as we could.”

10. It’s the first album to have every song certified by the RIAA and became the best-selling rock album of the decade

twenty one pilots aren’t exactly the Eagles (Tyler and Josh are so much cooler than that). But all the songs on Blurryface have been audited by the Recording Industry Association Of America to have achieved gold, platinum and/or multi-platinum status. The final certification of “Hometown” meant they were the first artist to achieve the coveted status, and then the Clique helped them do it again by getting every track off Vessel at least a Gold certification by July 2019 . With more than 100 million streams on each Blurryface track on Spotify, they’re also the first group to do that . Blurryface has sold more than six million copies making it the best-selling rock album of the decade . To quote the band’s pantsless Grammy’s acceptance speech: “Anyone from anywhere can do anything.”


10 things you didn’t know about Chitty Chitty Bang Bang

Chitty Chitty Bang Bang, the much-loved movie about the magical flying car starring Dick Van Dyke, celebrates its 50th anniversary on 16 December 2018. Here are 10 things you may not know about the classic movie, which was based on a book by James Bond author Ian Fleming.

1. Chitty Chitty Bang Bang is surrounded by tragedy

In April 1961, Ian Fleming, who was a heavy smoker and drinker, had a heart attack at the age of 53 and was ordered to convalesce. It was around this time that his eight-year-old son Caspar told him: “Daddy, you love James Bond more than you love me!” The author decided to show his affection for his only child – whom he nicknamed “003-and-a-half” – by writing in longhand a series of children’s stories he first called The Magical Car.

Fleming’s tales were about a flying car restored by Caractacus Potts, an inventor and retired naval commander. The title was later changed to Chitty-Chitty-Bang-Bang, which was based on the real cars Chitty-Bang-Bang 1, 2, 3 and 4 built by the eccentric motor enthusiast Louis Zborowski in the 1920s.

Fleming suffered another heart attack on 11 August 1964, following a long lunch at Royal St George’s Golf Club in Kent. He died the next morning, on his son’s 12th birthday. Fleming never got to see the printed versions of his children’s stories, which came out in October that year.

The death affected his son deeply (“Caspar hates me and talks of little but matricide. What shall I do?” his mother Ann wrote to novelist Evelyn Waugh). On 2 October 1975, aged just 23, Caspar killed himself, taking an overdose of barbiturates at his mother’s home in Chelsea. A forlorn note in his pyjama pocket read: “If it is not this time it will be the next.”

2. Roald Dahl’s script was rejected as a ‘piece of s**t’

Roald Dahl knew Fleming well, as both had worked in the same espionage circles during the Second World War. Having adapted the Bond novel You Only Live Twice for the screen, producer Albert “Cubby” Broccoli re-hired Dahl to write the screenplay for Chitty Chitty Bang Bang. It was a move that ended in acrimony and bitterness.

Dahl’s daughter Lucy has said that her father was open about the fact that he took the job just for the high payment, and hated the experience. In 1977, Dahl told Le New York Times “they took my script and never used a word”, adding that “directors are the writer’s curse”.

In a 1983 interview with Les Twilight Zone magazine, he was asked about changes to his script. "Chitty Chitty Bang Bang was ghastly,” said the author. “Once you get a rotten director, or an egocentric director, you’re dead. But they pay a lot, so you take the money and run.”

According to the late director Ken Hughes, Broccoli called Dahl’s script “a piece of s**t” and asked him to rewrite the entire thing. Broccoli also decided not to invite Dahl to meet the Queen at the film’s premiere at London’s Odeon Leicester Square on 16 December 1968.

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“I don’t give a damn whether we met the Royal Family or not,” Dahl wrote to his agent Swifty Lazar, adding that what he did care about was Broccoli’s behaviour and the way they’d been treated. The letter, reproduced in Storyteller: The Authorized Biography of Roald Dahl, sees Dahl defending his “worthwhile script” and stating that the whole business had made him “very cross”.

The biggest bone of contention was how many of Dahl’s own creations remained in the film. Vulgaria, the place where kidnapped children are taken, and the character of the creepy, long-nosed, net-wielding Child Catcher do not appear in Fleming’s stories and were said to have been created by Dahl. In an article for Johns Hopkins University Press, however, the late Hughes was quoted as claiming he wrote “every f**king word” of Chitty Chitty Bang Bang’s script on his portable typewriter.

“The Child Catcher was my invention – his cage and everything,” insisted Hughes.

3. Phil Collins was an extra

Before making his name with Genesis, drummer and singer Phil Collins was a child actor. He landed the role of the Artful Dodger in a West End production of Olivier ! and at 13 had a role as an extra in the Beatles film A Hard Day’s Night, although you never see his face.

At 16, he was cast as an extra in Chitty Chitty Bang Bang, as one of the Vulgarian children who storm the castle at the end of the film. His scene was edited out, because the director did not like the unsightly bandage near his eye.

“I can see why I wasn’t in the final cut,” Collins later said. “I was in the last scene with all these kids, but I had this pristine white bandage round my head because I had this big cyst on the side.” Cubby Broccoli’s daughter Barbara – who was seven at the time – was also an extra in a fairground scene and, unsurprisingly, her scene was not cut.

4. Some of the English countryside was French

Scenes in Chitty Chitty Bang Bang were shot in parts of England’s most beautiful countryside and the sites have since become tourist destinations for fans of the film. The Cobstone windmill on the hill where Grandpa Potts, Caractacus and his children Jemima and Jeremy live is near the charming Buckinghamshire village of Turville. Some of the race scenes were set in Box Hill in Surrey.

However, the English weather during filming in July 1967 lived up to its unpredictable reputation. One solution was to shoot scenes in the Cote D’Azur. “If you look carefully, you’ll notice that in some places we are driving through vineyards and it doesn’t look much like the English countryside,” admitted Dick Van Dyke.

5. Morris dancing proved Dick Van Dyke’s toughest test

Robert M Sherman lived quite a life. He won a Purple Heart in the Second World War (he was one of the first American soldiers to relieve Dachau concentration camp) and was shot in the knee aged 19. He had to use a walking stick for the rest of his life. During his recuperation in Taunton, Somerset, he became interested in the local culture of Morris dancing.

When Sherman returned to America in the 1940s, his father Al, a Tin Pan Alley songwriter who had written hits for Billie Holiday and Louis Armstrong, challenged Robert and his brother Richard to try to earn a living writing songs. They became two of the most famous composers in Hollywood, winning two Oscars for Mary Poppins.

Chitty Chitty Bang Bang was their first score outside of the Disney empire. The showstopping tunes for the film included the Oscar-nominated title song, plus “Truly Scrumptious”, “Toot Sweets” and “Hushabye Mountain”. Van Dyke said that the hardest song to perform was “Me Ol’ Bamboo”, a Morris dancing-based tune devised around Sherman’s memories of England, when he had used a bamboo walking stick.

“The bamboo sticks had metal poles inside and we had to jump over them and dance with them,” Van Dyke, who was 41 at the time, said in a TV documentary about the making of the film. “Most of the dancers were 15 years younger than me and it took us 23 takes to get it right. In the last take, I only just make it. This was the hardest dance number I ever did.”

6. The wacky inventor was real

The fictional character of inventor Caractacus Potts was reminiscent of Rowland Emett, who worked on the technical aspects of the film. Emett, who drew cartoons for Coup de poing magazine in the 1940s and 1950s, rose to fame during the 1951 Festival of Britain, when he created a real-life version of his cartoon “Far Tottering & Oyster Creek Railway”. The miniature railway was ridden by more than two million people in Battersea Park that year. His 1973 water-powered musical clock The Aqua Horological Tintinnabulator can still be seen in Nottingham.

For the film, he designed a series of machines, including the Humbug Major Sweet Machine, Clockwork Lullaby, the Little Dragon Carpet Sweeper and Hot Air Rocking Chair. “I had built a large numbers of rather pathetic inventions in the past and I believe the filmmakers could see some affinity between the character of Caractacus and myself,” said London-born Emett.

To celebrate the 50th anniversary of the film, Emett’s machines from Chitty Chitty Bang Bang are on display at the National Motor Museum in Beaulieu until November 2019.

Perhaps the most memorable invention in the movie is the Breakfast Maker, a robotic device like something out of Wallace and Gromit, that transports eggs and then cracks them open on to a plate for cooking. The fire from underneath the plate starts as soon as the eggs are in position.

“That was my favourite device,” said Van Dyke, “but the Breakfast Maker gave us the most trouble. It’s marvellous but it sometimes dumped plates on the floor and sometimes it would throw an egg across the room. We would go away while the special effects men fixed it…”

Emett was once asked if he was mad. ”If I am, it’s a rather nice state,“ he replied.

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7. The son was older than the dad

“Dick Van Dyke was older than me and I was playing his dad,” Lionel Jeffries, who starred as Grandpa Potts, has pointed out. Van Dyke, who turned 93 on 13 December, was born in Missouri six months before Jeffries saw the light of day in London in June 1926.

Jeffries went bald early in life, which he blamed on his time serving with the light infantry in Burma during the Second World War. He said his hair fell out because he was sweating so much in the jungle heat. “I was the only bald student at Rada. Of course I was upset,” he said. “Tried a toupee once, too, but it looked like a dead moth on a boiled egg.”

The film also featured Benny Hill as a toy maker and Barbara Windsor had a small role, but Van Dyke most enjoyed the incongruous casting of Jeffries. “Lionel is one of the funniest men I ever met and we became close friends. But he was younger than me when he played my father and I never let him forget it,” the American star of Mary Poppins added.

8. The Child Catcher was a graceful ballet dancer

The creepy voice that drawled “I smell children…” helped make the sinister Child Catcher one of cinema’s most famous baddies. Down the years, in various stage productions, the character has been played by Paul O’Grady, Lionel Blair, Wayne Sleep and Alvin Stardust, but the definitive Child Catcher is Australian Robert Helpmann, who stole so many scenes in the 1968 film. Helpmann even took out his false teeth to give himself a gaunt, frightening look.

Helpmann was a renowned ballet star, who had danced with Anna Pavlova and Margot Fonteyn, and was later part of the Sadler’s Wells Ballet Company. In one scene in the movie, he had to race his horse-driven wagon out of the village over rough cobble stones. He lost control and the vehicle crashed, but Helpmann emerged unscathed.

“We could see he was a dancer by the way he moved with little steps,” said Van Dyke. “But when the wagon tipped over, he jumped off like a ballet dancer. I have never seen anything as graceful in my whole life.”

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9. The film was James Bond for kids

As well as being based on Fleming’s book, having Broccoli as producer, and featuring a car designed by Ken Adam (whose 007 triumphs include the villain’s headquarters in Dr No), there were plenty more James Bond influences in Chitty Chitty Bang Bang.

Richard Maibaum, who wrote screenplays for a dozen Bond films, was credited as co-screenwriter, while the celebrated stuntman Vic Armstrong, who has doubled as 007 (and Indiana Jones), performed many of the stunts for Van Dyke.

Gert Fröbe, so chilling as Bond villain Auric Goldfinger, plays the temperamental, childish Baron Bomburst, while his baroness wife in the fairy-tale Bavarian kingdom is portrayed by Anna Quayle, who is Frau Hoffner in the 1967 version of Casino Royale. Desmond Llewellyn, who stars as the gadget master Q in the Bond movies, also plays an eccentric scrap dealer in Chitty Chitty Bang Bang.

“It was like a James Bond movie,” said Van Dyke, “and no expense was spared to make the sets look good.”

10. Chris Evans chauffeured a couple to their wedding in Chitty

There were reportedly six different versions of the iconic “phantasmagorical machine” – the car with the power to fly and to swim – driven by Van Dyke in the film. The cars, designed by Ken Adam, were automatic, because the actor could not drive a manual car. It had a dashboard plate from a First World War fighter plane and the colours of the floating Chitty – purple, green and white – were those of the women’s suffrage movement.

Formula One world champion Graham Hill managed to get Chitty up to 120mph during an exhibition drive at Crystal Palace in 1968. Michael Jackson (who was a Benny Hill fan) tried to buy the original car. Peter Jackson, director of Le Seigneur des Anneaux films, owns one of the versions, and radio and television presenter Chris Evans bought one for £500,000 in 2012.

Five years later, two fans of Evans’s Radio 2 show were given a fun wedding present, when the DJ chauffeured them to their ceremony in Chitty.


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